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Cuanto más tiempo pases fuera del instrumento (por la razón que sea), más rápido te desconectarás de tu camino musical. Al igual que la atrofia muscular, cuanto menos usas esos músculos creativos, más débiles se vuelven, y, en efecto, los más débiles e ineficaces te vuelves en todas las áreas de tu vida. Incluso se demuestra que cinco minutos al día aumentan los pensamientos creativos y el deseo de volver a conectarse. Además, esos puntos de vista te mejoran como persona y te hacen mejor en lo que haces en tus otros roles terrenales. Te hacen un mejor padre, cónyuge, empleado, etc. Alternativamente, estas cosas en tu vida también te hacen un mejor baterista. El caso es que la batería (nuestra voz musical terrenal) y la música (siendo el idioma que nosotros hablamos) te ayudan a conectarte con lo que realmente eres. Más allá de los arreglos hogareños de fin de semana, más allá de las cenas con amigos, más allá del trabajo, más allá de tu banda, más allá de tus hijos; música está aquí para darte la oportunidad de hablar en ese lenguaje universal que todos entendemos. Te garantizo que el verdadero apoyo en tu vida no encuentra placer y poder al negarle el derecho de obtener tu propio ritmo. Encuentran satisfacción al ayudarte a descubrir tus propias oportunidades. Pero depende completamente de vos mantenerte conectado con tus sueños y metas, cualesquiera que sean. Quien tiene valor de perseguir sus sueños, es quien afronta el precio para alcanzar y despertarlos en su concreción. Federico Landaburu 155.158.5710

No te prepares para el fracaso. Si sabes que tu día parece agitado, levántate media hora antes para poner su traste detrás del instrumento, o hacé algo en esa media hora que pueda liberarte para practicar más tarde ese día. ¿No deseas molestar a los vecinos? Toma tu pad de práctica. ¿Qué practicas en media hora? Cualquier cosa que te frustra y te hace ir más allá de tu comodidad. El secreto de la práctica efectiva es estar fuera de tu zona de confort y dentro del área de crecimiento personal. Un ejercicio efectivo es practicar cualquier cosa utilizando tu lado no dominante. Si sos derecho: el perfil izquierdo es la prioridad, el pie derecho y la mano derecha están mas dessrrollados por naturaleza, aunque nunca debes dejarlos de lado. La práctica es tan simple cuando la divides en su elemento básico. No es lo que estás haciendo lo que está creando el problema; es lo que no estás haciendo. Lo que estás haciendo es todo lo que sabes hasta este punto. Has aprendido y estás aplicando el concepto. Si eso no funciona, es el acto de aprender, desaprender o volver a aprender esas técnicas que no está utilizando actualmente. Eso es práctica y no necesita consumir tu vida. En cualquier caso, cuando tienes un momento en el tiempo, muchas sesiones de práctica cortas efectivas son un aporte, mejor que una maratón de mantenimiento de cuatro horas. Mucho un poco es mejor que un poco de mucho. Vuelve atrás del set en incrementos, incluso 15 minutos a la vez en el transcurso del día, manteniéndote alejado de tu zona de confort. Federico Landaburu 155.158.5710

10 consejos para practicar de manera eficiente: 1. Practicar siempre con referencias y objetivos concretos. Define metas alcanzables y progresivas. 2. Ser un “perfeccionista paciente”. Busca pulir detalles de modo consciente y focalizado. 3. Practicar siempre con la técnica y el enfoque adecuado (minimiza los malos hábitos/maximiza los buenos hábitos). 4. Cuando uses un metrónomo, trabajar los ejercicios en incrementos de dos bpm. Esto reduce la inestabilidad de variaciones muy amplias, acoatumbrandote a fluctuaciones durante el desempeño debido al hecho de que se desarrolló la comprensión de tales cambios de tempo. 5. Ser consciente de la idea/concepto de espacio (es decir, los "descansos") y comprender su importancia y el papel que tiene dentro de la música. 6. Un gran baterista no se determina sólo por cuánto puede tocar o qué tan rápido pueda hacerlo. Debe ser determinado por cuán "inteligentes" son en su ejecución. La congruencia entre que, como, donde y cuándo elegir un recurso o elemento, y también, no elegirlo. 7. Hacer tu mejor esfuerzo no solo para comprender las formas "correctas" de ejecutar con respecto a la interpretación, musicalidad y técnica, pero sabiendo las formas “incorrectas” para que sepas cómo cambiar tu errores en caso de que ocurran. Y hacer tu mejor esfuerzo no solo para evaluar lo que es incorrecto, sino también para saber por qué es incorrecto. 8. El hecho de que otra persona haga algo de cierta manera no significa necesariamente puede funcionar para nosotros. Ser abierto a vos mismo. Aprender al tiempo y modo en el que estés satisfecho con tu propia evolucion. Toma tu tiempo. 9. Cuando practiques música, asegúrate de tomarla dentro del contexto. Por ejemplo, si hay una frase antes de un fill, toca esa frase y el break secuencialmente. La razón es que hay ser capaz de reconocer el flujo que la música debe crear, practicando así la interpretación. 10. Tocar en un espejo para que puedas evaluar tu forma de tocar y tu técnica. Además, te acostumbrarás a mantener la mirada al frente y atenta, de manera de sentirte seguro con tu desenvolvimiento. Federico Landaburu 155.158.5710

Me pasa desde adolescente...

*Problemas comunes: 1: Elegir palillos por marca o moda; Este es un problema muy común, y uno que muchos bateristas temen admitir. La excusa más común está en la línea de que porque los usa un baterista de renombre, deben funcionar para nosotros. Sí, es importante usar baquetas que se sientan cómodas, pero hay muchos bateristas propensos a tener miedo de salir de esa zona de confort. Con frecuencia, vemos músicos tomando decisiones que van en contra de la música y el sonido que las baquetas contribuyen a aportar, por ejemplo, usando baquetas de tamaño 7A para rock, y no se genera una sinergia entre el peso del palillo y la potencia en la ejecución que puede generar el músico. El tamaño y el peso de una baqueta tiene un gran impacto en el rendimiento de un baterista, y aunque no hay un palillo perfecto para cada baterista individual, hay un equilibrio óptimo de peso y sonoridad. Los estilos que son demasiado rápidos no podrán extraer un buen sonido del instrumento con baquetas más pesadas o de mayor longitud que lo que el estilo implique. El uso de baquetas que son demasiado pesadas tendrá un efecto igualmente negativo en tu forma de tocar, ya que consumen demasiada energía y disminuyen velocidad. Hay muchísimos tamaños diferentes de baquetas por ahí para que pruebes. Si es posible que estés luchando por encontrar el tamaño de baqueta adecuado para tu ejecución, te recomendaría ir a una tienda de música y experimentar hasta que encuentres una adecuada y cómoda opción para tu estilo de tocar. Como una guía aproximada para adaptarse a la mayoría de los estilos musicales, sugeriría 5A para estilos más íntimos y de menores dinámicas (A remite a ACÚSTICO) y 5B para estilos de mayor potencia, volúmenes y fuerza interpretativa (B remite a Banda). Para encontrar algo más adecuado, intenta experimentar con varios modelos de diversas marcas, aunque sin perder de vista la música que tocas, el sonido que deseas lograr y tu comodidad propia e individual. No hay mejor moda que ser uno mismo, en su mejor versión. Federico Landaburu 155.158.5710

*Perseverancia: .El que abandona no tiene premio: Para todas las personas que deciden que quieren ser bateristas, probablemente el 90% de ellos siga el camino mas típico Se encuentran algunos palillos, se les dice que trabajen en algunos rudimentos o en un rudimento básico y asi empezamos a picar la piedra. Se tiene una oportunidad de 10 minutos dd concentración aquí y allá y no ven ninguna mejora, por lo que se dan por vencidos. Racionalizan esto diciendo que "no tienen sentido del ritmo" o "no están coordinados", o buscando cualquier excusa (que no es JUSTIFICACIÓN), para poder dejar el proceso a medio camino. El hecho es que simplemente no perseveraron. Se necesita tiempo y perseverancia para que la información se convierta en conocimiento y capacidad. Elige cualquier libro de motivación sobre cómo hacerte rico, perder peso o dejar de fumar y encontrarás la palabra perseverancia. *¿Qué es la perseverancia?: La perseverancia es esencialmente el acto de continuar haciendo algo que sabes que debería funcionar, incluso cuando crees que no funciona. Practicar cuando ves resultados inmediatos es algo muy placentero. Practicar cuando sientes que vas a ninguna parte puede parecerte muy inútil. Sigue así hasta que veas algunos resultados. Básicamente, nunca mejorarás si no practicas, pero la gráfica de la mejora perceptible trazada contra el tiempo dedicado a la práctica no siempre es lineal. Hay momentos en los que dedicarás horas y no verás ninguna mejora. Esos son los puntos que hacen la diferencia entre los grandes músicos y los buenos. Los grandes ponen las horas en cualquier lugar, los medios se dan por vencidos y eligen algo más que hacer con su tiempo. Mi táctica es regar el árbol todos los días. Así es como se forman los hábitos. La verdadera dedicación no radica en hacer las cosas cuando tenemos tiempo, ganas, humor o motivación. La real entrega se gesta desde la voluntad, y ésta, se manifiesta a raudales a quien la tiene... Es poder dar algo nuestro cada día, y es lógico, no siempre, podemos dar lo mejor... Pero seguir cuando no vemos la llegada, es la razón de alcanzar nuestras metas. Federico Landaburu 155.158.5710

*Menos es menos, más es más; Lo que importa, es el criterio: Uno se preocupa de aprender técnicas, licks, chops y demás recursos que nos destaquen del resto, que nos exponga y resalten de modo constante nuestras capacidades y talentos, que buscan ser mostradas como habilidades y destrezas. Deberíamos enfatizar en desarrollar CRITERIO MUSICAL, CONCIENCIA INSTRUMENTAL y HUMILDAD ARTÍSTICA No porque podamos hacer algo, significa que debamos hacerlo. No porque creamos que un fill vaya a ser grandioso en nuestra proyección, significa lo mismo en el contexto y coyuntura musical. Debemos dejar que fluya nuestro ritmo. No tenemos la necesidad de impresionar a nadie más; tocar un instrumento no es una competencia deportiva ni un truco de magia. Debemos desarrollar nuestras capacidades instrumentales, para dejarlas en función de la música y nunca al revés. No por tener grandes sets, muchos timbres y posibilidades de orquestación, significa que debamos tocar todo, todo el tiempo. Debemos obligarnos a ejecutar patrones simples, respirables y bailables. Los patrones lineales a menudo funcionan mejor en estilos como el funk y la fusión. Las orquestaciones cambiantes y el balance de madera y acero, es mucho mas rico en estilos como el latin o el jazz La potencia y velocidad tiende a resaltar en rock. La improvisación y los contrastes dinámicos, son mucho más propios del jazz. No hay necesidad de sobrecargar los patrones con acentos, platillazos, fraseos eternos, cuando son innecesariamente agregados (y en muchos casos, de manera excesiva). *Identifica cuándo y en que espacio "liberarte": El hecho de que tengas una serie de compases para un fill o fraseo, no significa que debas volverte loco y comenzar a golpear cada cuerpo y platillo que tengas a la vista. Demasiados músicos quedan a medio camino tratando de impresionar al mundo. Si comenzaste a tocar para impresionar a la gente, te convertiste en músico por todas las razones equivocadas. La música es un oficio, trátalo como tal. La música es arte, respetalo como tal. La música es expresión, aplicala como tal. La música es vida, disfrútala como tal. Federico Landaburu 155.158.5710

Rompiendo con tus excusas: # 1 No tengo tiempo para practicar. Ya sea trabajando, en la Facultad, estudiando para tus exámenes o simplemente haciendo malabarismos con otras prioridades del día a día; todos vivimos vidas ocupadas, y encontrar tiempo de práctica a menudo puede ser difícil. La buena noticia es que hay oportunidades de progresar mucho en nuestro instrumento si somos capaces de encontrar solo de 5 a 10 minutos por día. Seguramente oirás historias sobre alguien más que practica horas al día, pero el simple hecho es que pueden tener diferentes prioridades y su estilo de vida les permite hacerlo. La mayoría de nosotros no tenemos ese lujo, y está bastante bien. La diferencia no la obtenemos diciendo que haríamos ti tuviésemos lo que aún no tenemos, sino haciendo lo mejor que podamos con los recursos disponibles. Hagamos lo mejor que se pueda cada día, y las semillas darán frutos luego se su natural maduración y crecimiento. Recomiendo llevar un diario de práctica para que puedas ver tu progreso y mantengas tu concentración y enfoque para maximizar tu valioso tiempo de práctica y asi, alcanzar objetivos y metas específicas y disfrutar en dicho proceso. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito

.Sobre la ejecución de los platillos: Cuándo vamos a golpear el borde del platillo, hay que intentar usar movimientos de muñeca como un reves de tenis o echar hacia atrás el palo. No golpees directamente y a través del platillo. Tendrá menos probabilidades de rotura y lograrás un sonido más musical. No ejecutes con un golpe duro, ejecuta con inteligencia. Si te encuentras tocando tenso, probablemente es porque tus platillos y batería son inadecuados para tu estilo o sonido deseados o estén afinados de manera inadecuada. Relájate y relajarás el sonido. Si estás rígido, tu sonido será encapsulado rígido, y transmitirá esta fuerza inflexible a tus platillos cuando toques. Recuerda, un instrumento solo puede sonar tan bien como se toca de manera acorde. La predisposición mental debe ayudarnos a ser conscientes y congruentes en el plato sobre el cual realizaremos la ejecución, dado que en aspectos tales como grosor, tipo de aleación, marca y modelo, características de fabricación, etc., son elementos fundamentales para el sonido que obtendremos, aunque es mucho más importante (En mi opinión y experiencia), poder adecuar la técnica según la función instrumental y musical que le corresponda a cada platillo. Es decir, los platos de marcación de pulso, como son el ride y hihat, debe tener un sonido definido, con cuerpo, sin un brillo excesivo y con una dinámica constante y homogénea; deben estar equilibrados en relación al sonido y volúmen del diálogo rítmico entre bombo y tambor, dado que dicha rítmica (entiéndase MELODIA, porque constituye un elemento variable) va en función del pulso (elemento constante). En estos platos, se suelen aplicar la mayor parte de la ejecución, golpes de sistemas musculares medio (muñeca), pudiendo anexar sistemas más pequeños (dedos) en casos de figuras más pequeñas o rangos dinámicos menores, o mayores (codo u hombo), cuando se debe enfatizar en volúmenes mayores, y en figuras de valor de subdivisión bajas. En platos de efectos, como los splashes, crashes, chinas, etc., la función es la de corte, donde se busca definir una ruptura y cambio de la parte musical o de la sonoridad de la ejecución. Federico Landaburu 155.158.5710

Las figuras y los silencios toman el mismo nombre y valor. La REDONDA es la unidad de valor y de ésta salen el de las demás figuras, teniendo en cuenta que la de abajo, vale la mitad de la que tiene arriba en la pirámide subdivisión, o lo que es lo mismo, la de arriba de una figura dada, dura el doble de tiempo de la que esta debajo. Los números fraccionales, significan que la cantidad que figuran debajo ( denominador ), son las partes que entran en el de arriba ( numerador ). Por ejemplo: la SEMICORCHEAS tiene un valor absoluto de 1/16, esto quiere decir que son 16 partes que entran en la unidad, por lo que traducimos, que en una REDONDA entran 16 SEMICORCHEAS. * El SILENCIO de REDONDA, es un rectángulo negro que se escribe debajo de la 4º línea, o debajo de un espacio adicional. ** El SILENCIO de BLANCA es un rectángulo negro que se escribe sobre de la 3º línea, o sobre un espacio adicional. El resto de los SILENCIOS no tienen una ubicación preestablecida, la única norma es colocarlo en un sitio que facilite la lectura. COMPASES Una manera simple de definirlos, puede ser: " LOS COMPASES SON LA DIVISIÓN DE LA MÚSICA EN TIEMPOS DE IGUAL DURACIÓN" En una partitura, no están escritas las figuras silencios y demás signos, todos seguidos, sino que están agrupados dentro de limites entre dos barras perpendiculares al pentagrama. Cada una de esas porciones de pentagrama, tienen que sumar las mismas cantidades de figuras, o sea tener la misma duración. Para entender esto, veamos como se escriben e interpreta el significado de los compases. Tomemos el ejemplo del compás de 4/4 que es el más usado en occidente: .NUMERADOR Enumera la cantidad de tiempos que hay en el compás, en este caso son 4 tiempos. .DENOMINADOR Nos denomina la figura patrón que va a ser la que represente a cada uno de los tiempos. En este caso es la NEGRA, que el denominador 4. De esto se desprende, que los denominadores de los compases, no pueden ser otros que los denominadores del valor de las figuras, y que para definir un compás, necesitamos dos valores, uno referido a la cantidad de tiempos y el otro para la figura qu representa. Federico Landaburu 155.155.158.5710

Las figuras rítmicas se caracterizan por la capacidad de ser subdividibles, es decir, pueden partirse en partes iguales mas pequeñas. Esta idea se basa en la llamada PIRÁMIDE DE SUBDIVISIÓN, que ubica a la redonda al tope de dicha pirámide. La negra es naturalmente la figura referencial para establecer un parametro ascendente y descendente de subdivisión. Es asi, que la negra vale un tiempo, seguida por la corchea que vale 1/2 tiempo de negra ( 1 negra = 2 corcheas). Asimismo, cada corchea puede subdividirse naturalmente en una unidad menor, siendo la semicorchea, y una corchea equivale a dos semicorcheas o sus silencios. De tal modo, las dos corcheas que subdividen a la negra, pueden a su vez, subdividirse en 4 semicorcheas. Existen figuras mayores y menores a las actuales y/o convencionales, siendo la CUADRADA superior a la redonda, como asimismo, la GARRAPATEA y SEMIGARRAPATEA, las subdivisiones subsiguientes a la semifusa. En la actualidad, los extremos de dicha escala, se circunscriben a REDONDA y SEMIFUSA, respectivamente. Conocer estas variantes de subdivisión, nos aportará nuevos elementos de expresión a nuestras ideas musicales. Federico Landaburu 155.158.5710

Al principio de la música se dan indicaciones al ejecutante para la correcta lectura e interpretación de la música escrita. La primera información que se proporciona es la clave, que puede ser de varios tipos. En la música para percusión se usa la Clave de Fa en Cuarta Linea o la Clave de Percusión. A continuación se indica o no la Armadura de Clave y por último, la cifra indicadora de compás. Esta cifra tiene la forma de número fraccionario, donde el número superior es el numerador y el inferior es el denominador. La música es un arte que se aprecia en el tiempo. En música, el tiempo es relativo. La unidad temporal arbitraria es la redonda. El resto de las duraciones se derivan de esta dividiendo en dos partes iguales cada figura de duración mayor. Así, la mitad de la redonda es la blanca y la mitad de esta es la negra. En la música escrita se ha hecho norma indicar las diferentes duraciones por el número que indica en cuantas partes iguales se ha dividido la unidad. Entonces, la redonda se indica con el número 1, la blanca se indica con el número 2, la negra con el número 4 y así sucesivamente. En la música, la duración absoluta del tiempo la proporciona el metrónomo. La música se divide en diferentes partes para su escritura y ejecución, llamadas compases. El compás se divide en dos, tres o cuatro períodos de tiempo de igual duración que se llaman tiempos. Existe entonces: el compás de dos tiempos; el compás de tres tiempos; y el compás de cuatro tiempos. Existe una denominación particular definida como amalgama, cuando los compases exceden las cantidades citadas de tiempos, siendo Irregulares, y precisan de la unión de compases de distintas medidas de duración para dar origen a una cantidad diferente superior a 2, 3 y 4 tiempos. Los tiempos del compás no tienen todos la misma importancia desde el punto de vista de la acentuación. Unos han de ser articulados con más fuerzas que otros; los primeros se llaman tiempos fuertes y los segundos, tiempos débiles. Los tiempos fuertes son: el primer tiempo de cada compás y el tercer tiempo del compás de cuatro tiempos. Federico Landaburu 155.158.5710

Abecedario Bateristico: H) Gavin Harrison 1) Determinación. De verdad, más que talento, la determinación es lo único que te va a llevar. Tienes que tener una idea de lo que quieres ser y perseverar en ella hasta conseguirla. 2)Tener algo de talento natural puede ayudarte al principio, pero mucha de la gente que realmente tiene un gran talento tiende a volverse algo vaga, porque se les da bien y creen que no hace falta estudiar . 3) Nunca tuve interés en ser famoso, solo tenía interés en ser bueno. 4). Quizás la inspiración es diferente cuando eres algo más mayor. 5) La música no es una competición, la única persona con la que compito soy yo mismo para tocar lo mejor que sea capaz. 6) Yo creo que la determinación es mucho más importante que el talento. 7) Cuando algo suena mal, aun los detalles mas pequeños hacen la diferencia. Ademas de intentar, debemos escuchar. 8) Debes aprender notacion musical. Asi accederas a libros, a ritmos mas complejos y crear y plasmar tus ideas. Eso expande tu lenguaje. 9) El baterista es el controlador aéreo de la banda. Es quien debe guiar el viaje, y corregir los errores del vuelo. 10) Debes tener presente que, a veces, no tocar en determinado pasaje, es la mejor decision musical. Federico Landaburu 155.158.5710

La práctica es el enfoque más importante para cualquier baterista que busque seriamente desarrollar competencia en su instrumento. Esto puede parecer obvio para algunos de ustedes que leen esto. Si es así, bien... Una pequeña parte de la batalla es solo entender esto. Basado en mi experiencia como baterista dedicado a la práctica y como maestro, puedo asegurarle que esto no es obvio para muchos. El foco es una clave aquí. Y tiempo. Cómo gastas tu tiempo de práctica debe ser dictado por tus objetivos en la batería. Y sí ... .necesitas tener objetivos para que este momento sea efectivo. Antes que nada, vamos a aclarar nuestras definiciones. Practicar se trata de trabajar en las habilidades que necesita para mejorar. Practicar es acerca de las cosas que quierea poder hacer y que aún no puedes hacer. Si te sientas detrás de la batería, fumas un cigarillo y comienzas a jugar con canciones que conoces muy bien y tocando ritmos que ya puedes tocar, estás practicando de alguna manera. Pero no realmente. En su mayoría ... .sólo te estás divirtiendo. Practicar no siempre es divertido. Puede ser aburrido y puede ser tedioso. Puede ser muy frustrante cuando pasas tiempo trabajando en algo y no sientes que progresas lo suficiente. Pero endurece tu perseverancia. Si estás dispuesto a trabajar duro y recibes una buena guía (encuentra un buen maestro que también sea un buen medio para ayudarte), puedes obtener todo lo que desees. Solo tienes que estar dispuesto a pasar una gran cantidad de tiempo trabajando en ello (es decir ... practicando). No creo en el talento. Yo sí creo en el trabajo duro. De hecho, ese ES el talento: la capacidad de enfocarse en la tarea que tienes entre manos y dedicar mucho tiempo a la práctica es todo el talento que necesitas. Si tienes la orientación adecuada y haces el trabajo, te puedo prometer que mejorarás. No estoy seguro de que sea particularmente talentoso, pero trabajo más que la mayoría, y estoy convencido de que es por eso que he logrado alguno de mis objetivos y continuaré logrando más. Federico Landaburu 155.158.5710

.Pasa en la vida, sucede en la música, se vive en el instrumento: 1) Nunca te canses de dar un poco mas de vos, sea en tu estudio, en tu proyecto o en tu camino... Muchas veces estamos mas cerca de la meta de lo que creemos, pero abandonamos antes de tiempo. La perseverencia se entrena y se madura. El que abandona, no tiene premio. 2) Que algo no salga, que algo no se entienda, o que algo demore mucho en salir, no debe ser motivo de frustacion. 3) El mejor modo de lograr un buen resultado, es tener un buen proceso. 4) Tu instrumento, no es una cosa inerte..Y aún, si asi lo consideramos, somos nosotros los que lo dotamos de vida. Por ende, como el instrumento respira, habla y vive .. es NUESTRA ÚNICA RESPONSABILIDAD. 5) La única garantia , es que no hay garantia. Si te confias en tu talento divino o en ser un elegido, terminarás siendo eso que no querías llegar a ser. 6) Confia en lo que haces. Si tenes buenas guias, si tenes confianza en lo que haces y das lo mejor que podes, siempre se logran cosas. No va de ser soberbio y cabeza dura, sino de ser fiable y honesto. 7) Nunca dejes de mostrar tu valor agregado. Tocar mas o menos, no es metiro suficiente...A veces la diferencia se genera mostrando eso que te destaca del resto...No en mejor, no en superior.. sino en distinto...Tu propia visión y misión.. 8) Trabaja un poquito cada día... Nunca sabemos cuando sera nuestro tiempo, pero eso llegara, ..Para eso, uno debe prepararse. Todos saben cuantas semillas hay en una manzana.. pero pocos pueden ver cuantas manzanas habra en una semilla. 9) No busques aprovechar una oportunidad, trabaj para merecerla. 10) Sé humilde, nunca te olvides de donde, con quién y como viniste...La soberbia hace pequeños a esos que pueden destacar en distintos campos... Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito CLASES BATERÍA en Caballito 011 5158-5710 https://maps.app.goo.gl/GuX7sVCtuYd8DPi5A

* Perseguir el dominio: Nadie nace talentoso. Existen influencias, entornos y recursos que pueden acercarnos de modo mucho mas natural y temprano a instrumentos, actividades artisticas o disciplinas deportivas. Es mucho mas arduo el camino de quien no tuvo tales experiencias, pero la responsabilidad de maximizar y capitalizar el proceso, es mera gestión personal e individual. Como dijo el gigante Mohamed Ali: "Odié cada minuto de entrenamiento...Me dije no renucies, y vive el resto de tu vida como un campeón...." Trabaja tan duro como puedas, para que puedas amar lo que haces y hacer lo que amas. No busques resultados ideales con recursos que no tienes, sino da lo mejor y mas que puedas con tus capacidades reales. Federico Landaburu 155.158.5710

Com meus punhos, posso lhe fazer sorrir,chorar e cantar, pois neles passo todo o sentimento do meu coração, e as baquetas reproduzem com o som. 🥁❤️‍🔥 . . #drums #drummer #drumskills

Si estás considerando aprender a tocar la batería siendo adulto, es posible que tengas algunas preguntas, entre las que se encuentran: "¿Seré bueno?", "¿Soy demasiado grande?" o "¿Es demasiado tarde?". Quizás has oído que uno solo puede alcanzar el dominio de un instrumento si aprende de niño. Si ese es el caso, ¡tengo buenas noticias!. De hecho, hay muchos beneficios en aprender a tocar la batería, sin importar tu edad. Miremos más de cerca: *El aspecto físico: El conjunto de batería es un instrumento muy cinético, ya que requiere el uso de todo el cuerpo. El aprendizaje y tiempo dedicado de modo consciente y regular ayuda a mejorar tu coordinación, porque usas tus miembros en diferentes combinaciones para hacer música. También es beneficioso para tu sentido del equilibrio, porque debes estar bien alineado y equilibrado para tocar con potencia y facilidad (lo cual es especialmente cierto si haces un uso vigoroso de ambos pies). La integración de estos factores crea un entrenamiento básico bastante bueno, y también estás desarrollando una habilidad. *El aspecto intelectual: ¿Sabías que la neuroplasticidad de tu cerebro permanece intacta durante toda su vida? Esto significa que tu mente, con un compromiso activo, continuará creciendo, aprenderá y retendrá nueva información. Numerosos estudios han demostrado que aprender nuevas habilidades ayuda a mantener la mente aguda a medida que se envejece. Otros estudios han demostrado que los músicos han aumentado el volumen en varias áreas del cerebro. Si aprendes a leer música, también interpretas y reproduces las notas que ves, que es un gran ejercicio integrador para la mente y el cuerpo. El potencial de exploración es virtualmente infinito. A medida que trabajes y asimiles conceptos progresivamente avanzados, descubrirás que es aún más fácil aprender nuevo material, ¡lo cual es muy gratificante! *Los aspectos emocionales: ¡Uno de los aspectos más importantes de la ejecución de música es el puro placer! . Tocar es un alivio del estrés muy efectivo, y cuanto más alto sea el nivel de facilidad que consigas, más expresión podrás verter en tu instrumento. Federico Landaburu 155.158.5710

*¿Que debemos aprender? : En la infinidad de libros, métodos, técnicas, guias de aprendizaje, solemos perder el foco de que debemos aprender. Esto agrega mayor dificultad a poder desarrollar un método de trabajo y de aprendizaje, en el inmenso mar de información que abunda, y no siempre redunda en formación. No se necesita un título en música, no se necesita décadas de escuchar a múltiples bateristas, y no se necesita años de experiencia de interpretación para lograr la musicalidad básica en la batería. No hay una fórmula secreta, solo una simple comprensión de cuatro áreas, que son claves para la formación musical e instrumental. Si debemos aislar y titular cada área, podríamos distinguir: 1) Saber teoría musical y del ritmo. 2) Desarrollar control. 3) Manejo dinámico. 4) Aprender los rudimentos y su aplicación musical y estilística. Federico Landaburu www.facebook.com/coachingritmico

Todos conocemos la importancia del metrónomo en las más diversas circunstancias. Tanto para practicar, como para grabar, incluso al momento de tocar en público, este pequeño adminículo es nuestra mejor referencia. Y como los bateristas somos a la vez la guía de nuestros compañeros de banda, su relevancia es aún mayor. Sin embargo, no faltan las oportunidades en que no podemos contar con su apoyo. Una sesión improvisada, una pila que se agota, el ruido que lo opaca o un simple olvido, pueden obligarnos a prescindir de sus servicios. Desarrollar nuestro "Metrónomo Interno" es por ello de extraordinaria importancia, y algo que se va ganando sólo con la práctica. A decir verdad, han habido grandes bateristas que jamás recurrieron al click, ni siquiera al momento de grabar, como John Bonham, Ringo Starr y Roger Taylor; y nadie va a decirnos que Led Zeppelin, The Beatles o Queen sonaban desacompasados. Existen distintas técnicas para ir desarrollando nuestro control del tempo sin ayuda del metrónomo. Entre las más conocidas podemos señalar las siguientes. *Conteo de Métrica: La primera y más simple es acostumbrarnos a contar los tiempos y los compases, de la manera más exacta posible. El uso exclusivo de monosílabos, como hacerlo en inglés, puede contribuir mucho a este propósito. *Reducir el Tempo en el Metrónomo: Consiste en bajar primero a la mitad y luego a la cuarta parte el tempo del metrónomo. En el primer caso estaremos pasando a contar blancas, y en el segundo redondas. Con ello vamos reduciendo en forma progresiva nuestra dependencia del click. *Reducir el Volumen del Metrónomo: Esto nos pone en una situación muy parecida a la de tocar en público en la que la bulla termina opacando el click. Irlo apagando en forma progresiva sirve para que vayas dependiendo cada vez menos del metrónomo, sin que te sientas abandonado en el proceso, porque sabes que ahi, aunque bajito, te está respaldando. *Silenciar la Pista de Respaldo: En este caso se trata de ir silenciando tramos cada vez más largos de la pista de respaldo, de modo que lleguemos eventualmente al punto de no requerirla. Federico Landaburu www.youtube.com/landa81

*¿Cuánto tiempo lleva aprender los fundamentos para tocar?: La respuesta a esa pregunta depende de lo que trates de sacar de la batería. Si quieres dominar algunas canciones y ritmos, puede llevar un par de meses; si quieres ser lo suficientemente confiable y seguro como para estar en una banda, puede llevar un año o dos. Pero los grandes bateristas que todos admiramos, los que tienen una gran carrera como bateristas, ven a los tambores como un viaje de aprendizaje constante de por vida. Hay tantas técnicas y estilos de percusión que, incluso si dominas la ejecución de algún género específico o tienes más groove que Tony Williams, todavía hay mucho que aprender. En nuestros primeros pasos, generalmente nos hacemos esta pregunta con tono preocupado, ya que estamos luchando en incorporar el concepto en el cual hemos estado trabajando. Al igual que cualquier otra cosa que aprendas a hacer, a veces puedes sentirte poco inspirado, o tal vez te sientes atrapado. Todo el mundo tiene esta sensación en algún momento, ya sea que estés empezando a aprender a tocar la batería o que has estado tocando la batería durante mucho tiempo. A lo largo de los años, he notado algunas cosas sobre la forma en que aprendo a relacionarme con el instrumento, la forma en que practico y la forma en que manejo la adversidad. Debemos tratar de contemplar algunas ideas que serán de gran ayuda: .Establecer metas razonables: Un gran error que cometen los estudiantes es que muerden más de lo que pueden masticar en la jornada de práctica. .Establecer metas es una de las claves para tener éxito, pero si estableces tus metas de manera demasiado amplia, podrías frustrarte tratando de lograrlas sin la maduración necesaria y el proceso adecuado. .Tener una actitud positiva: El camino de formación es arduo, constante y disciplinado. Requiere honestidad, tolerancia a la frustración y perseverancia. Una vez que hayas llegado a ser como anhelabas, debes tener humildad de seguir aprendiendo. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito 155.158.5710

Elvin Jones en 3 reflexiones: 1) Ninguna de las cosas esenciales acerca de ser un baterista ha cambiado. El baterista debe ser el responsable de mantener el tempo y ser consciente de su papel como acompañante. El tiempo existe para mí igual que para todos los demás. La diferencia es la forma en que se utiliza el tiempo. No estoy haciendo nada diferente de los demás. Solo lo hago a mi manera. El jazz es una forma de arte personalizada y se puede aplicar a individuos. Esto es lo que la convierte en una gran forma de expresión. 2) Un baterista también puede tener aspiraciones de ser solista. En todo el mundo, la percusión está en primer plano y se acepta como un campo altamente sofisticado. Todos podemos agacharnos y empezar a pensar en el tipo de solos que vamos a tocar. Esto es algo que va a ocupar nuestros pensamientos durante las próximas dos o tres generaciones. Cuando uno dice "solo" es una palabra bastante grande. Piensas en todos los otros instrumentos solistas y en lo que puedes lograr con ellos. Este desafío es algo que podemos aceptar con gratitud y un profundo sentido de responsabilidad. .3) Ideas para afinar la batería. Al tocar como yo, en un formato de grupo pequeño la mayor parte del tiempo, es mejor configurar un tono muy básico. Cuál sea ese patrón depende del individuo. Debería ser tu fundamento, algo que puedas reconocer. Si vas a construir un patrón alrededor de estos tonos y los reconoces, puedes usarlos de manera más inteligente. Todo el tiempo que lo he estado haciendo, el bombo está alrededor de un Sol Mayor. Intento sacar a los tom-toms un tercero o un cuarto de eso. Esa es la fórmula. Es algo muy fundamental y no creo que requiera una gran cantidad de ajustes. Sucede sin que pienses en ello. Deseo obtener toda la calidad de tono, la riqueza, la profundidad y la fibra que posiblemente pueda generar fuera del tambor. Pero todas estas excelentes cualidades de sonido se han sacrificado por una especie de uniformidad que obtienen cuando se corta la parte frontal. Todos los cuerpos suenan muy muertos, lo que es propicio para algún patrón muy simple como aquellos que utilizan para el rock. Federico Landaburu 155.158.5710

¿En cuánto tiempo puedo aprender a tocar? La respuesta se la va a dar cada alumno a si mismo con el tiempo, si su dedicación es perseverante, consciente y responsable. En lo que concierne a la parte habilidosa en la ejecución de un instrumento, no hay muchos secretos: todo concluye en llegar a tener una práctica constante en calidad y cantidad. Para llevar a cabo este objetivo, es importante adoptar algunos de estos aspectos: paciencia, convicción, corazón, atención, amor, voluntad, inteligencia, inspiración, creatividad, claridad y, fundamentalmente, que a través de haber logrado incorporar la practica periódica, esta actividad se transforme en un “proyecto de desarrollo personal”, así te dediques profesionalmente o no al arte de los tambores. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito 155.158.5710

ESTA BIEN COMETER ERRORES: Es importante crear un entorno de bajo estrés comunicando al alumno que los errores son parte del proceso de aprender a tocar un instrumento. Si un alumno siente la presión de ser perfecto o tiene la impresión de que no se permiten los errores, sentirá estrés y las lecciones ya no serán divertidas. Siempre les digo a los alumnos que está bien si cometen errores, que no necesitan disculparse por ellos y que todos cometemos errores similares cuando estamos aprendiendo algo nuevo. El dotar al error de una visión no nefasta ni limitante, será la puerta de entrada para poder indagar de modo profundo, consciente y abierto, sobre ese resultado diferente, al objetivo planteado inicialmente. Cierto es que hay cosas que estan "bien" y "mal"... Pero nunca en los primeros pasos eso debe ser marcado con un énfasis exagerado, dado que así estaremos cohibiendo la capacidad y posibilidad de aprendizaje de cada persona, los cuales, son totalmente particulares y propios de cada individuo. Recordemos que conlleva el mismo tiempo, esfuerzo y dedicación, adquirir un buen hábito que generar una mala costumbre. Federico Landaburu 155.158.5710

Rutina de práctica: ¿No sería genial si pudieras tomar un instrumento de cuerda por primera vez e inmediatamente tocar como un profesional experimentado? Uno solo puede soñar, por supuesto, los mejores músicos de todos los tiempos no nacieron virtuosos: les tomó años de arduo trabajo y dedicación a su instrumento de cuerda antes de ser maestros de su oficio. Dicho esto, ciertos músicos tienen la habilidad de progresar más rápido que otros, pero no es porque posean alguna fórmula mágica: simplemente saben cómo hacer que su tiempo de práctica sea más agradable y creativo. Para mejorar tu maestría musical, necesitas saber en qué aspectos de tu ejecución deberías concentrarte más, pero también desconfía de no concentrarte en un área por mucho tiempo. Federico Landaburu 155.158.5710

*Como mejorar: Sin importar tu nivel ni capacidad, seas un principiante o un experto, siempre hay espacio para convertirse en un baterista aún mejor. La mayoría de los bateristas quieren saber cómo pueden mejorar, rápido. Si bien no son pocos los puntos a atender, muchas veces se suelen pasar por alto cuestiones básicas, y en otras tantas, se suele suponer que solo los iluminados podrán tener acceso a la "fórmula del éxito". Debemos ser humildes, hambrientos y honestos, dado que lo complejo no es superar a nadie, sino evolucionar en relación a nosotros mismos. Algunos tópicos que podrían ayudarnos,quizas aquellos que involucran cosas mas intangibles: 1. Sé consciente: En primer lugar, debes ser consciente de tus fortalezas y debilidades. Una vez que conoces tus fortalezas y debilidades, sabes en qué necesitas enfocarte para mejorar. Un profesor de batería puede ayudarte con éste proceso; él o ella puede desarrollar ejercicios y rutinas para ayudarte a convertir las debilidades en fortalezas. 2. Determina tus metas: Dedica algo de tiempo para determinar fuera del instrumento, para establecer objetivos en el camino. Es vital que entiendas, recuerdes y nutras por qué quieres tocar la batería. Tus metas te orientan y te mantienen motivado para trabajar duro y mejorar. Cuando se trata de establecer los objetivos correctos, debes conocer tu zona de confort. Para encontrar el objetivo ideal, apunta siempre por debajo de tu límite absoluto. Si siempre te esfuerzas hasta llegar a tu límite absoluto, puedes quemarte y desanimarte. Al establecer tu objetivo justo por debajo del límite final, te asegurarás de que dicho objetivo sea razonable y algo que puedas lograr. Ejecuta el concepto muy lentamente y aumenta gradualmente la velocidad hasta que alcances el límite. A partir de ahí, comienza a frenar de nuevo. Esto le permite a tu mente y cuerpo asociar la sensación relajada de tocar lento con la acción de tocar rápido, lo que te permite aumentar progresivamente, menos esfuerzo. 3)Aplicar las 3 P: Paciencia, perseverancia y pasión. Federico Landaburu 155.158.5710

La energía no se pierde, sino que se transforma... Lentes, cadena y remera de Batman... Morello se convirtió en Colaiuta.. Cabellos con canas, Sonrisa más medida.. Gadd es la reencarnación de Chapin... Clases de Bateria en Caballito 011 5158-5710 https://maps.app.goo.gl/Nc5huoPpK9wFvP5WA

*El grip: Sujetar los palillos de manera eficiente es clave para tener un buen comienzo. Una forma fácil de encontrar tu agarre natural es ponerte de pie con las manos a los lados. Usando tu mano izquierda, coloca el palillo en tu mano derecha. La parte plana del pulgar debe hacer contacto con la baqueta y los dedos restantes, deberán envolverse en la parte inferior del palillo, naturalmente. Repite el procedimiento, colocando el otro palillo en la mano izquierda. Sujeta los palos ligeramente hacia atrás desde el punto de equilibrio real (el centro) del palillo. Cuando se usa el grip parejo, es común que la cola de la baqueta (parte posterior), haga contacto cerca de la parte inferior del interior de la mano. *Fulcro: Se trata del espacio que actúa como punto de apoyo de la palanca, que serian los palos. Se define un espacio entre el pulgar y la primera articulación del dedo índice y el pulgar y la segunda articulación. Algunos bateristas se sienten más cómodos usando el dedo medio o una combinación de índice y dedo medio. *Tenso o libre: Sujetar los palos con demasiada fuerza evita que la punta rebote libremente sobre la superficie de ataque. Laa baquetas deben sostenerse con seguridad aunque sin presión, con estabilidad aunque sin fuerza adicional. La presión es la misma con la que tomamos los cubiertos para comer, donde el tenedor debe tener firmeza para sujetar, y el cuchillo para desgarrar o cortar. Considera la sujeción de tu cepillo de dientes al lavarte tus dientes. Asegura la baquetas con la fuerza suficiente para asegurarte de que no salgas volando de tu mano. Como lo aconsejó el grandioso Jim Chapin, sostén los palillos como lo harías con un pajarito entre tus manos, ni con fuerza para aplastarlo ni tan suelto como para que se escape volando. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito 155.158.5710

Practica cuando el tiempo es corto: Practica y prepárate para tu evolución. Primero debes ocuparte de los negocios, de modo que si tiene un concierto debes estar seguro de lo que debes hacer(o lo está buscando), asegúrate de estar preparado. Todos podemos usar un poco de trabajo para el Warm up en ideas simples como los rudimentos; incluso Jim Chapin practicó los rudimentos hasta sus últimos días. Intenta destinar unos reales 10 minutos al día y mezcla diariamente distintos ejercicios. - Resuelve algunos problemas de coordinación con algunos ejercicios que te fuercen a salir de tu zona de confort. Intenta hacer algunos paradiddles con tus pies y toca lo mismo con tus manos, solo a la mitad de la velocidad. Intenta eso por 10 minutos y pasa a otra cosa. Después de una semana, habrás dedicado 70 minutos a esta tarea agotadora, pero es probable que ya la hayas finalizado (o estés cerca) para entonces. - Mucha gente podría necesitar un descanso en este momento (aproximadamente media hora de práctica) por lo que podrías considerar escuchar una canción que deseas aprender. Echa un vistazo a la batería, la línea de bajo, la banda completa, y luego intenta seguir el sentido musical de cada instrumento. Utiliza un plan adecuado y disfrutable, porque es la posibilidad diaria y cotidiana, de dar pequeños pasos para superarte y ser lo mejor que puedas ser... Federico Landaburu 155.158.5710

Fundamentos de la técnica Moeller: Éste método, iniciado por Sanford A. Moeller en la primera parte del siglo 20 y contemporanizado en gran medida por el difunto Jim Chapin, es el famoso método de golpe latigado. Asociado con frecuencia al agarre alemán, el método de Moeller enfatiza el desarrollo de la velocidad de la mano, el poder y el control del palillo, así como la relajación completa de los músculos de la mano y del brazo. La técnica se logra al dominar un golpe particular que muchos describen como un fuerte movimiento de "latigo" hacia abajo. Este golpe de latigazo, usualmente acentuado, es seguido por uno o dos "golpes ascendentes" sin acento en los cuales la mano regresa a su posición original mientras golpea el tambor en su camino de regreso a la postura inicial. Mientras que algunos adherentes de Moeller son categóricos sobre los golpes ascendentes generados solo por el rebote, Chapin fue muy específico sobre la articulación individual de cada nota. Insistió en que la influencia del rebote era mínima y que cada golpe requería tanto esfuerzo como el anterior. Federico Landaburu www.youtube.com/landa81 155.158.5710

Todo aquel que me ha dado posibilidad de compartir clases, ha podido tener diferentes ideas y/o consideraciones hacía mi manera de ponderar al instrumento y su infinito Universo. Lejos de ser un Maestro; muchísimo más alejado de ser mejor que nadie; mucho más lejano el suponerme conforme con lo que descubro en mí, mediante la sabiduría del instrumento que tibiamente llego a percibir... Realmente soy afortunado, bendecido, agradecido, feliz y completo conmigo y desde ahí, hacía el otro, de poder hacer y ser lo que amo El proceso no tiene ningún fin en sí; el camino no promete ninguna llegada; el día a día no tiene objetivos tan establecidos ni rígidos... Ser conscientes de que poder estudiar un instrumento nos da señal de nuestra consciencia del momento, nos permite hallar nuestra voz en el silencio de lo compartido, nos da idea de que la impermanencia da infinitud al presente... Muchísimos años, quise ser el mejor en comparación a desconocidos; no disfruté nada de lo superado; no fui agradecido de lo que hacía; no tuve consciencia de cada pasado dado ni agradecido de poder caminar... Las personas nunca somos, estamos en proceso eterno y constante... No tenemos nada cierto ni concreto, más que lo que este tipo de cosas nos dejan.... La paz es saber que estamos en el camino correcto, y eso no se piensa en la mente; se siente en el cuerpo y en algún rincón de algo intangible, que podría ser el alma o el corazón, que es algo distinto al músculo cardíaca... No podría dar una sola clase, sin tratar de que cada persona pueda sentir que está buscando ser mejor, en su propia posibilidad y decisión... Este mensaje, me llega de un ejemplo de buena y grata persona, que me permite intercambiar aprendizajes desde Costa Rica... Agradezco estas palabras, como las de todo aquel que dedica su tiempo a leer o ver, algo de mi pequeña visión del instrumento... Desde mi mayor honestidad y sinceridad, GRACIAS.... 155.158.5710 https://maps.app.goo.gl/QXrA1Cm2nDFyrBqc7

.Pasa en la vida, sucede en la música, se vive en el instrumento: 1) Nunca te canses de dar un poco mas de vos, sea en tu estudio, en tu proyecto o en tu camino... Muchas veces estamos mas cerca de la meta de lo que creemos, pero abandonamos antes de tiempo. La perseverencia se entrena y se madura. El que abandona, no tiene premio. 2) Que algo no salga, que algo no se entienda, o que algo demore mucho en salir, no debe ser motivo de frustacion. 3) El mejor modo de lograr un buen resultado, es tener un buen proceso. 4) Tu instrumento, no es una cosa inerte..Y aún, si asi lo consideramos, somos nosotros los que lo dotamos de vida. Por ende, como el instrumento respira, habla y vive .. es NUESTRA ÚNICA RESPONSABILIDAD. 5) La única garantia , es que no hay garantia. Si te confias en tu talento divino o en ser un elegido, terminarás siendo eso que no querías llegar a ser. 6) Confia en lo que haces. Si tenes buenas guias, si tenes confianza en lo que haces y das lo mejor que podes, siempre se logran cosas. No va de ser soberbio y cabeza dura, sino de ser fiable y honesto. 7) Nunca dejes de mostrar tu valor agregado. Tocar mas o menos, no es metiro suficiente...A veces la diferencia se genera mostrando eso que te destaca del resto...No en mejor, no en superior.. sino en distinto...Tu propia visión y misión.. 8) Trabaja un poquito cada día... Nunca sabemos cuando sera nuestro tiempo, pero eso llegara, ..Para eso, uno debe prepararse. Todos saben cuantas semillas hay en una manzana.. pero pocos pueden ver cuantas manzanas habra en una semilla. 9) No busques aprovechar una oportunidad, trabaja para merecerla. 10) Sé humilde, nunca te olvides de donde, con quién y como viniste...La soberbia hace pequeños a esos que pueden destacar en distintos campos... Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito CLASES BATERÍA en Caballito 011 5158-5710 https://maps.app.goo.gl/GuX7sVCtuYd8DPi5A

La correcta ejecución no pasa por la destreza física que podamos realizar, sino por la sensibilidad, buen gusto, y madurez con la que podamos acompañar a una pieza musical, sin dejar de lado ni olvidar, que lo más importante es y será, La Música. “Nos contratan por nuestra capacidad. Nos despiden por nuestro carácter”- Federico Landaburu Clases de Batería www.instagram.com/ritmologia_ritmologia_bateriaencaballito

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Musicalidad: Para ser un buen baterista, debes tener buen gusto, pero sobre todo, buen criterio. Esto significa tocar lo que sea apropiado para la música a ejecutar. Si estás tocando con un cantante o compositor pop, debes abstenerte de usar tus grooves de doble pedal en blast beats. Suena obvio, ¿verdad?... Te sorprendería la cantidad de músicos que no tienen buen gusto o sentido común para tocar apropiadamente para la canción. Oímos esto tan a menudo que el consejo parece trillado. Pero la razón por la que escuchamos sobre esto es que la gente no siempre presta atención al consejo. Musicalidad significa saber cuándo estar en silencio, cuándo tocar fuerte, entender qué tipo de ritmo tocar, qué estilo de fraseo usar y si se ejecuta afanosamente o simplemente. Se desarrolla y madura con el tiempo al ejecutar música con mucha gente. Tener un maestro que entienda esto también será muy útil. Esto no quiere decir que debamos limitarnos en la exploración, estudio, desarrollo y exigencia en nuestra ejecución, siendo que creo que uno siempre debe dar todo lo que puede y un poquito más. Solo nos referimos a saber a integrar el QUE, con el CUANDO, con el DONDE, junto al COMO. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito 155.158.5710

*Pensar antes de actuar: Tómate el tiempo para estar totalmente consciente de lo que será realizar el movimiento antes de hacerlo. La función psicológica humana es básica: cuanto más repites algo, más te acostumbras (esto incluye los errores). La práctica es simplemente un medio de programación autogestionado, a través de repeticiones de una secuencia de acción y pensamiento. Si se programa con cuidado y eficacia, con suficiente repetición, funciona. ¡Puedes cambiar tus habilidades rápidamente si lo deseas y convertirte en el estudiante que quieras ser! Comienza muy despacio, concéntrate y ejecuta perfectamente. Repite con cuidado. SIEMPRE ayuda con paciencia, lentitud y consciencia al proceso que llev a poder construir la memoria física qué tan rápido va a ayudarte a incorporar un patrón, y esto, es cuestión de cuántas repeticiones consecutivas correctas puedas hacer mientras enfocas la atención en el patrón. Por lo tanto, SIEMPRE manténte a una velocidad en la que tengas el control de la ejecución correcta. "Un aprendiz practica hasta que puede hacer algo bien.. Un experto ensaya hasta no puede hacer algo mal.... " Haz pausas cuando sea necesario, para mantener tu mente fresca y con aire antes de que lleguen tus acciones, y trata de disminuir la cantidad de errores. Practicar no está destinado a ser un acto que te desafíe, recuerda, es un proceso de programación intencional de tu cuerpo y tu mente. Sé cuidadoso y deliberado. Los errores en la práctica son tan valiosos como escucharnos mientras hablamos (y las dos acciones probablemente tengan mucho en común). Si practicas así a menudo, te acostumbrarás a estudiar de esa manera. Las únicas frustraciones que encuentras finalmente provienen de hacer lo que no pretendes, que en gran parte proviene de tener movimientos descuidados y sin atención que tu cerebro no está logrando aislar de modo consciente. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito

★ ¿ Que beneficios tiene estudiar batería ? ¤ Efectos cerebrales : *Permite focalizar la concentración y estimula la atención periférica. *Al desarrollar la heterometría , facilita la comunicación entre los hemisferios cerebrales. *Favorece la reproducción neuronal y su sinapsis. *Estimula la producción *Agiliza la resolución de matematicás simples. ¤ Efectos físicos : *Regulariza la actividad cardiovascular. *Aporta sensación de bienestar, al liberar endorfinas sobre el sistema límbico. *Normaliza la frecuencia cardíaca. *Afecta la sinergia de los sistemas cognitivos. ¤ Efectos emocionales: *Desarrolla la perseverancia en trabajos a medio y largo plazo. *Fortalece la autoconfianza, proyecta la superación personal y la posterior interacción entre pares. * Nos conecta al pulso vital, inherente a todo ser humano. ====================== "Aprender batería es darte una nueva energia para tu cuerpo y tu mente." .Clases de Batería, tambor clásico, desarrollo rudimental, lenguaje rítmico, escobillas y solkattu (Presenciales y remotas) Federico Landaburu // 155-158-5710 www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito [email protected]

*Perseverancia: .El que abandona no tiene premio: Para todas las personas que deciden que quieren ser bateristas, probablemente el 90% de ellos siga el camino mas típico Se encuentran algunos palillos, se les dice que trabajen en algunos rudimentos o en un rudimento básico y asi empezamos a picar la piedra. Se tiene una oportunidad de 10 minutos de concentración aquí y allá y no ven ninguna mejora, por lo que se dan por vencidos. Racionalizan esto diciendo que "no tienen sentido del ritmo" o "no están coordinados", o buscando cualquier excusa (que no es JUSTIFICACIÓN), para poder dejar el proceso a medio camino. Se necesita tiempo y perseverancia para que la información se convierta en conocimiento y capacidad. Elige cualquier libro de motivación sobre cómo hacerte rico, perder peso o dejar de fumar y encontrarás la palabra perseverancia una y otra vez. *¿Qué es la perseverancia?: La perseverancia es esencialmente el acto de continuar haciendo algo que sabes que debería funcionar, incluso cuando crees que no funciona. Practicar cuando ves resultados inmediatos es algo muy placentero. Practicar cuando sientes que vas a ninguna parte puede parecerte muy inútil. Sigue así hasta que veas algunos resultados. Básicamente, nunca mejorarás si no practicas, pero la gráfica de la mejora perceptible trazada contra el tiempo dedicado a la práctica no siempre es lineal. Hay momentos en los que dedicarás horas y no verás ninguna mejora. Esos son los puntos que hacen la diferencia entre los grandes músicos y los buenos. Los grandes ponen las horas en cualquier lugar, los medios se dan por vencidos y eligen algo más que hacer con su tiempo. La táctica es apuntar a ir y regar el árbol todos los días. Así es como se forman los hábitos. Sé que el concepto de disciplina no suele tener, a priori, acepciones positivas. Quizás no las tenga en su proceso, porque es hacer aquello que sabemos que debemos hacer aún sin querer hacerlo. Está grandiosa mecánica será fructífera en el resultado final, aunque en el proceso no sintamos su crecimiento. La diferencia no es el tiempo que tenemos, sino como decidimos invertirlo. Federico Landaburu 155.158.5710

Continuó así....Crecimos, nos volvimos borrachines y parranderos; pero la bata, no se mancha....

*Comenzó así...De pequeños, con ilusión, como un juego, con la consciencia de estar y ser eso que hacíamos...Un amor casi desde la cuna

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¤ Clases de bateria : ♣ Postura , ergonomía y relajación : . Rango óptimo de eficiencia. . Economía de movimientos. . Balance y equilibrio. . Ángulos y alturas efectivas. ♣Notación musical y audioperceptiva: . Figuras simples y compuestas. . Cifrados de compás. . Lenguaje rítmico. . Células y ciclos rítmicos. . Permutaciones. . Subdivisiones binarias y ternarias. ♣ Técnica y Rudimentos : . Mecánica del golpe. . Análisis y estudio de motions. .Moeller. . Matched y traditional grip (punto de balance, y fulcro y leverage). . Heel up y Heel down (feathering, control & endurance) . Mecánica de ejecución de cada grupo de rudimentos ( rolls , diddles, flams & drags). ♣ Ostinatos : .trabajo de coordinación y desarrollo de las 4 extremidades. . Asignación simétrica de figuras de PULSO y de MELODÍA. .Desarrollo de pies y manos. ♣ Estilos : .Jazz, shuffle, vals, funk, bossa nova y ritmos de Brasil , patrones latinos, afrocuban, claves latinas, candombe, latin jazz, chacarera, ritmos africanos, fusión. ♣ Recursos instrumentales: .Stickings. .Odd groupings. .Desplazamientos y modulaciones métricas. .Grupos internos y compases de amalgamas. .Dinámicas. .Ghost notes. .Fraseos lineales. ♣Anexos: .Interdependencia en claves latinas. .Interrelación entre estilos y patrones. .Interpretación. .Improvisación. .Desarrollo instrumental. .Toque con click. .Escobillas (basamentos del libro "The brush artistry"). .Desarrollo rudimental: 40 rudimentos convencionales de PAS y Rudimentos Híbridos. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ■ Clases personalizadas con métodos nacionales y americanos de batería y percusión . ■ Métodos efectivos y eficientes de estudio. ■ Fortalecimiento en aspectos fundamentales. ◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆ ▼Clases en estudio: . Caballito ▼Clases escuela Yamaha: . Recoleta ▼Clases a domicilio: . A coordinar. =============================== * Consultar por clases quincenales y seminarios intensivos ( Tecnica, coordinacion, estilos, desarrollo creativo, etc ). ↓ ↓ ▶ Contactos y consultas : → Federico Landaburu 》155.158.5710 》[email protected] 》www.youtube.com/landa81

In GADD we trust..... Stephen Kendall

Aprender a practicar de manera eficiente puede marcar una diferencia increíble en la forma en que crecemos como músicos. Durante mucho tiempo me encontraba sentado detrás de la batería con sesenta minutos para practicar y no tenía ni idea de por dónde empezar o qué hacer. Lo siguiente que supe es que me iría sesenta minutos más tarde, nada mejor que cuando llegué. Años más tarde encuentro que el tiempo es demasiado valioso como para desperdiciar una mercancía, y no tengo más remedio que organizarme brutalmente con mi tiempo de práctica. Es nuestra obligación administrar y manejar nuestro tiempo, me refiero a la vida de aprendizaje y crecimiento. Es genial agregar tanto a nuestra rutina como sea posible porque al final puedes tomar lo que quieras y dejar el resto. Espero que algunas de estas sugerencias sobre cómo practicar puedan ser una gran adición a la práctica particular de cada músico. Tomar lo que funciona para cada persona en particular y siéntete libre de dejar el resto. Uno de los aspectos más importantes de estudiar, es saber exactamente cuáles son sus objetivos como músico. Ayuda a muchas personas simplemente escribir una lista con objetivos específicos. Con el propósito de practicar, la mayoría de estos tendrán que ver con crecer técnicamente, aprender, aprender nuevos estilos, aprender nuevas canciones, etc. El tiempo de práctica podría verse así: *10 minutos: Warm Up (golpes simples y dobles, con rangos dinámicos y en pirámide de subdivision). *15 minutos: aprende un nuevo ritmo, o sobre algo ta sabido, escribir y realizar tus aportes y variantes. *15 minutos: repasar las primeras tres páginas de los ejercicios de sticking del libro Stick Control de George Lawrence Stone ... pero todo sobre pulsos diveros pies a tempos lentos, medios, etc. *15 minutos: Desarrollar un rudimento por dia. * 5 minutos: Cold Down con un ritmo simple, donde puedas aplicar las ideas vistas. Obviamente no es ciencia exacta. Sin embargo, sí requiere intención, organización y administración del tiempo. Nuestro desafío es aprender a administrar el tiempo dedicado a consciencia, a cada temática, con el fin de nuestra evolución. Federico Landaburu 155.158.5710

Todos conocemos la importancia del metrónomo en las más diversas circunstancias. Tanto para practicar, como para grabar, incluso al momento de tocar en público, este pequeño adminículo es nuestra mejor referencia. Y como los bateristas somos a la vez la guía de nuestros compañeros de banda, su relevancia es aún mayor. Sin embargo, no faltan las oportunidades en que no podemos contar con su apoyo. Una sesión improvisada, una pila que se agota, el ruido que lo opaca o un simple olvido, pueden obligarnos a prescindir de sus servicios. Desarrollar nuestro "Metrónomo Interno" es por ello de extraordinaria importancia, y algo que se va ganando sólo con la práctica. A decir verdad, han habido grandes bateristas que jamás recurrieron al click, ni siquiera al momento de grabar, como John Bonham, Ringo Starr y Roger Taylor; y nadie va a decirnos que Led Zeppelin, The Beatles o Queen sonaban desacompasados. Existen distintas técnicas para ir desarrollando nuestro control del tempo sin ayuda del metrónomo. Entre las más conocidas podemos señalar las siguientes. *Conteo de Métrica: La primera y más simple es acostumbrarnos a contar los tiempos y los compases, de la manera más exacta posible. El uso exclusivo de monosílabos, como hacerlo en inglés, puede contribuir mucho a este propósito. *Reducir el Tempo en el Metrónomo: Consiste en bajar primero a la mitad y luego a la cuarta parte el tempo del metrónomo. En el primer caso estaremos pasando a contar blancas, y en el segundo redondas. Con ello vamos reduciendo en forma progresiva nuestra dependencia del click. *Reducir el Volumen del Metrónomo: Esto nos pone en una situación muy parecida a la de tocar en público en la que la bulla termina opacando el click. Irlo apagando en forma progresiva sirve para que vayas dependiendo cada vez menos del metrónomo, sin que te sientas abandonado en el proceso, porque sabes que ahi, aunque bajito, te está respaldando. *Silenciar la Pista de Respaldo: En este caso se trata de ir silenciando tramos cada vez más largos de la pista de respaldo, de modo que lleguemos eventualmente al punto de no requerirla. Federico Landaburu www.youtube.com/landa81

Tip del dia 2: Musicalidad: El propósito de tocar cualquier instrumento es realixar música. Incluso cuando incorporamos un rudimento o ejercicio técnico se debe considerar musicalmente y cómo puede ser aplicado a la música. Como se suele olvidar en el camino de mejorar, la musicalidad es la esencia de tocar un instrumento. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito

Al aprender a tocar la batería, todos esperamos ese momento en el que podamos disfrutar a mayor velocidad con nuestras canciones favoritas. Definitivamente hay algo estimulante y enormemente satisfactorio sobre tocar a tempos más rápidos, pero nuestra obsesión por la velocidad a menudo puede llevar a un descuido inadvertido de la base que ayuda a generar control. La velocidad no es más que un subproducto del control. Siendo este el caso, la forma de desarrollar la velocidad es reducir la velocidad y prestar mucha atención a los fundamentos importantes del ritmo y la técnica. Encontrarás algo muy interesante en los ritmos lentos del metrónomo: es más difícil tocar con precisión y musicalidad al principio. Esto es muy común, pero la respuesta no es aumentar inmediatamente el tempo a una velocidad más cómoda, donde puede sentir que estás "grooveando" mejor. La mejor práctica es perseverar en los ritmos más lentos y desarrollar el tiempo y la competencia contando en voz alta y con práctica regular. De esta manera, estás desarrollando una base sólida. Recuerda, los edificios más altos tienen los cimientos más profundos. Si estuviéramos en la industria de la construcción responsable de construir una torre de veinte pisos, no comenzaríamos en el piso seis. Comenzaríamos por la base y nos aseguraríamos de que sea sólida. Una vez que te sientas cómodo con los tiempos más lentos, pequeños incrementos (normalmente 5 latidos por vez) serían el próximo paso recomendado. A lo largo de todo esto, también debe prestar mucha atención a su técnica. Si experimenta estrés físico o malestar a ritmos superiores, esto es una señal de que su técnica puede beneficiarse de una puesta a punto. Es importante entender que la velocidad es solo un componente de la percusión. Es vital poder tocar musical y competentemente en todos los ritmos, desde lento a rápido. El tiempo, después de todo, es nuestra prioridad número uno. Federico Landaburu 155.158.5710

*Deberíamos aprender a ejecutar el instrumento desde los pies : A) Práctica de manera lenta y consciente, buscando la calidad del movimiento y el control. Cuando empieces a mejorar, intenta tocar más rápido. Prueba diferentes técnicas (Talón levantado, talón apoyado o talón-punta). B) Calibra la tensión de los pedales donde mejor responde al movimiento. Recuerda que la respuesta del mismo está relacionada con la tensión del resorte, la distancia del beater y la tensión del parche. C) Si utilizas la técnica del talón apoyado, utiliza el movimiento de tus pantorrillas y tobillos. Ubica tu pie en las 3/4 partes del pedal, siendo donde la plantilla del pedal comienza un ensancharse, siendo un punto de referencia, dado que es todo donde se encuentra el pívot, que es donde mejor se equilibra la mecánica del pedal con la ergonomía de la ejecución. D) Coloca tu pie derecho en el suelo. Sin despegar tu talón, levanta a parte de adelante de tu pie del suelo. Busca desarrollar los músculos interiores y flexibilizar tus tendones, a fin de naturalizar el movimiento. E) Cuando tus talones toquen el suelo, apoya la parte delantera de tus pies hacia abajo hasta piso esta también toque el suelo. Busca concientizarte de la naturalidad de cada movimiento descendente. Continua apoyando el pie hasta que el talón evite el contacto con el piso. F) Ubica la parte delantera de tu pie del suelo y cuando la punta de tu pie toque el suelo, genera un movimiento directo y acelerado, hasta que todo tu pie toque el suelo y toda la base de los pies estén sobre el piso. Técnicamente, lo que estás haciendo es alternar tu pie de punta a talón y levantarlo cuando alguna de éstas partes toca el suelo. G) Otra alternativa es ubicar tu talón arriba (Heel up). Para ello, deja que tu pie toque la parte trasera del pedal primero. Cuando tu talón toca el pedal, apoya la punta de tu pie hacia abajo mientras el pedal vuelve a su posición de origen. H) Realiza un movimiento con el talón levantado. Asi, lograrás tocar el pedal con la punta de tus pies. I) Desliza tu talón hacia delante para así obtener un segundo golpe. Ésta técnica se denomina Heel Toe Federico Landaburu 155.158.5710

El peso es un factor muy importante a la hora de tocar, tanto para la forma de tocar como para el volumen y la presencia. Los términos Heavy, Power, Rock o Metal corresponden a versiones más pesadas. Los términos Medium, Medium-Thin, Thin o Jazzcorresponden a modelos más ligeros. Un plato pesado tiene tendencia a sonar de manera metálica y más fuerte que uno ligero de fabricación idéntica. A la vez, el mismo tiempo de respuesta es más lento y la resonancia más larga. La “carga” del plato toma más tiempo para detenerse. Por lo tanto los platillos más pesados son los más adecuados para bateristas que tocan en grupos potentes Los platos de mayor peso son igualmente más fáciles de escuchar sobre un escenario grande. Y atención: no hay que pasarse con el peso o correrás el riesgo de que el sonido suene demasiado fuerte y tarde o temprano acaba siendo una molestia para todo el mundo. Si sos baterista de Rock, Pop, Funk, Soul o Hip Hop, estarás más satisfecho con modelos de peso más ligero. La tendencia actual para estos estilo musicales son los modelos más finos que responden rápidamente y se atenúan rápidamente. Si tocas en grupos pequeños, acompañado de un cantante-compositor, estaría bien tener en cuenta como en una batería de Jazz, unos platos finos que necesitan poca energía de impacto para alcanzar su pleno sonido serían lo más acertado. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito

La confianza es física: Hay mucha más inteligencia en cómo tu cuerpo desarrolla la memoria muscular, por ejemplo, que en lo que tu mente sabe. Hay mucha más inteligencia en lo que tu sangre sabe acerca de vos mismo, que lo que tu materia gris sabe, solo sentado allí en tu instrumento, quizas perdido... Y solo quien se pierde, debe trabajar para reencontrarse.... Sé tu sangre: Logra controlar el momento y está orgulloso. Tu mente, con su charla y comentarios incesantes, con sus constantes juicios y comparaciones, con su dependencia del pasado y el futuro (tiempo) para existir y para mantenerte a vos y a tu felicidad sofocada, ¿no es así? ... Para conocer un árbol, no tienes que pensar en eso. Solo obsérvalo. Míralo, tócalo. Estudialo. Escúchalo crujir, mira cómo se balancea. Dejarlo ser. Para entender un montón de notas en una página, no tienes que pensar en ellas. Observa cómo se juntan. Solo míralos. Escúchalos. Estudiarlos sin deseo y sin juicio. Si tocas las notas en tu mente, se mostrará la forma mas natural de ejecutarlas. Cuando las notas viajen de tu mente a tu cuerpo, podrá usarlas musicalmente. Para adquirir una facilidad física y estar conectado con la la situación real, la mente debe pasarse por alto. Déjate cometer errores. Déjate ser un principiante. Hay una infinita cantidad de alegría.... Termina cada jornada dando lo mejor, y date crédito por ello... En definitiva, la vida no es Whiplash.... Federico Landaburu 155.158.5710

.Mejorar tú práctica requiere practicar tu mejora: Después de horas y jornadas interminables de estudio son muchas las sensaciones que pueden asomar a nuestra mente. Muchas de ellas pueden surgir de un agotamiento físico, otras pueden surgir de una frustración ante no avanzar, otra puede ser la duda de como “ Ayer me salía todo, y hoy no me sale nada...”.. Y la verdad es que TODAS esas sensaciones tienen una respuesta adecuada y específica, pero solo vamos a tomar aquellos planteos que aparecen en relación al estancamiento en el mismo punto frente al instrumento y en el grado de expresión junto a él. Hay una cuestión más común de lo imaginable, que en años de dar clases, como en años de seguir siendo estudiante, muchas veces dije, y otras tantas escucho de mis alumnos; y la misma responde a porque si ayer nos salía ese ejercicio o tarea, hoy, frente a nuestro profesor, o en otra nueva jornada de estudio, queda trunca ante la imposibilidad de concreción en determinados tópicos de la formación instrumental. Hay que establecer, entonces, una serie de factores que serán de gran utilidad a fin de poder capitalizar y maximizar nuestras jornadas de estudio y practica: A) Definir un plan:Debemos ser conscientes y sinceros sobre que puntos realmente debemos madurar y mejorar, dado que solo así podremos establecer o pedir ayuda, en el camino que será el más adecuado para trascender tal etapa. Cuando refiero a CAMINO ADECUADO, debemos entender que no menciono CAMINO MAS CORTO, dado que si es corto será un atajo, y los atajos, suelen traer grandes demoras. Sera mucho más nutritivo poder estar un mayor tiempo profundizando en aspectos específicos, y hallar una conexión a otros temas relacionados, dado que la relación de ideas, términos e informaciones, nos facilitaran la comprensión y retención de material, además de ayudarnos a nuestro desarrollo creativo. B) Definir metas a plazos acordes: Este tema no es menor, dado que algunos aspectos o aprendizajes requieren mayor tiempo de internalización o de asimilación, lo cual es SIEMPRE variable a cada persona, y uno debe ser congruente a que tiempos demanda cada tópico. Federico Landaburu 155.158.5710

*¿Cuánto tiempo lleva aprender los fundamentos para tocar?: La respuesta a esa pregunta depende de lo que trates de sacar de la batería. Si quieres dominar algunas canciones y ritmos, puede llevar un par de meses; si quieres ser lo suficientemente confiable y seguro como para estar en una banda, puede llevar un año o dos. Pero los grandes bateristas que todos admiramos, los que tienen una gran carrera como bateristas, ven a los tambores como un viaje de aprendizaje constante de por vida. Hay tantas técnicas y estilos de percusión que, incluso si dominas la ejecución de algún género específico o tienes más groove que Tony Williams, todavía hay mucho que aprender. En nuestros primeros pasos, generalmente nos hacemos esta pregunta con tono preocupado, ya que estamos luchando en incorporar el concepto en el cual hemos estado trabajando. Al igual que cualquier otra cosa que aprendas a hacer, a veces puedes sentirte poco inspirado, o tal vez te sientes atrapado. Todo el mundo tiene esta sensación en algún momento, ya sea que estés empezando a aprender a tocar la batería o que has estado tocando la batería durante mucho tiempo. A lo largo de los años, he notado algunas cosas sobre la forma en que aprendo a relacionarme con el instrumento, la forma en que practico y la forma en que manejo la adversidad. Debemos tratar de contemplar algunas ideas que serán de gran ayuda: .Establecer metas razonables: Un gran error que cometen los estudiantes es que muerden más de lo que pueden masticar en la jornada de práctica. .Establecer metas es una de las claves para tener éxito, pero si estableces tus metas de manera demasiado amplia, podrías frustrarte tratando de lograrlas sin la maduración necesaria y el proceso adecuado. .Tener una actitud positiva: El camino de formación es arduo, constante y disciplinado. Requiere honestidad, tolerancia a la frustración y perseverancia. Una vez que hayas llegado a ser como anhelabas, debes tener humildad de seguir aprendiendo. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito 155.158.5710

¿En cuánto tiempo puedo aprender a tocar? La respuesta se la va a dar cada alumno a si mismo con el tiempo, si su dedicación es perseverante, consciente y responsable. En lo que concierne a la parte habilidosa en la ejecución de un instrumento, no hay muchos secretos: todo concluye en llegar a tener una práctica constante en calidad y cantidad. Para llevar a cabo este objetivo, es importante adoptar algunos de estos aspectos: paciencia, convicción, corazón, atención, amor, voluntad, inteligencia, inspiración, creatividad, claridad y, fundamentalmente, que a través de haber logrado incorporar la practica periódica, esta actividad se transforme en un “proyecto de desarrollo personal”, así te dediques profesionalmente o no al arte de los tambores. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito 155.158.5710

Cómo mantenerse saludable y creativo: Es difícil encontrar alguna razón para no querer una gran técnica física ... ¿Qué tan frustrante es tener una idea creativa y / o un sonido específico en la cabeza pero no poder tocarla o desarrollarla debido a un problema técnico? Desde un punto de vista físico puro, como una forma de reducir el riesgo de lesiones, ¿no tiene sentido dedicar una cantidad regular de tiempo al estudio y la práctica de la técnica? Una pregunta: si te ofrecieran una gran técnica física, sin tener que hacer ningún trabajo, dándote control de tu sonido y permitiéndote mejorar tu expresión creativa, sin restricciones técnicas, ¿la tomarías ...? Asumo que la respuesta es casi obvia, aunque la personal decisión es respetable y propia. No creo que nadie tenga de modo innato determinadas habilidades que otra persona no pueda conseguir; es decir, nadie es mas o menos habilidoso o capaz que otro, desde nacimiento. Lo que si marca diferencias son los entornos (aquella persona que vive en un determinado ambiente, con definidas influencias y con elementos que resultan cotidianos en su vida diaria), van a tener un acercamiento y aproximación natural a dicho ámbito, que lo hará queben su crecimiento y maduración, pueda desarrollar otra profundización en cuestiones puntuales, con mayor facilidad y libertad, que otra persona que se crió en un ambiente distinto, que decidi luego, empezar a recorrer dicho camino; es decir, quien se desarrolla en una familia de músicos, al vivir entre ensayos, instrumentos, influencias variadas, estilos o géneros, etc. tiene una tendencia a desarrollar con mayor comodidad dichas vetas artísticas, que aquella persona que se creció en un entorno con menor o nula expresión artística. Lo cual no hace un super artista a quien se crió en tal ámbito ni inhabilita ni cohibe al que no. Como la genética, la tendencia no establece ni define obligatoriedad (no porque mis padres sean delgados, yo lo seré; tendré la tendencia, lo cual no lo garantiza si uno no complementa). Entonces, más allá de entornos, ámbitos de crecimiento, elementos cotidianos, etc., está nuestra decisión y compromiso. Federico Landaburu 155.158.5710

.Estudiar con baquetas mas pesadas: ¿Si o No?: Ante todo, debemos saber que el tipo de baquetas que decidimos elegir, debe estar relacionado a la música que tocamos, a la medida de nuestras manos y fundamentalmente, al tipo de sonido que deseamos obtener. Si bien es cierto que añadir peso adicional a nuestra medida habitual, podría redundar en mayor fortaleza, no considero que sea lo más adecuado para el baterísta. Las baquetas cargadas NO son una buena idea. Algunos dicen que construyen músculos fuertes y potentes. La verdad es que si bien necesitamos un trabajo diferencial y direccional, creo que debemos definir objetivos específicos: Considero mejor la RESISTENCIA a la FUERZA, SENSIBILIDAD a la POTENCIA, y CONTROL a la EXIGENCIA. El levantar más peso es bueno para los culturistas y jugadores de fútbol, ​​pero no para los bateristas. La velocidad y la precisión en la técnica requieren músculos largos, delgados y más flexibles, NO músculos voluminosos de tipo levantador de pesas. Practicar con palos pesados ​​tenderá a desensibilizar tus manos, cuando deberías buscar aumentar tu sensibilidad. La continuidad de una serie de movimientos en distintas alturas y en una cantidad que se incremente, con tus baquetas habituales te ayudará a poder elongar tus tendones, a modo de hacerlos más plásticos y flexibles, lo cual permitirá una mayor comodidad en el movimiento de la muñeca. Algunos músicos percusionista, sostienen que practicar con una almohada es una buena idea. La teoría es que debido a que una almohada es suave, sin rebote, obliga a los músculos a "crear" el rebote, trabajando para levantar el palo y crear el downstroke. La realidad desde la física quizás pueda suponerse como algo positivo, pero es que si bien ganamos por un lado, perdemos conciencia de la respuesta similar a la que nos da un parche o platillo, por lo cual en una situación real, no tendríamos desarrollado el control, los rangos de movimiento efectivos y las alturas propias y reales del instrumento. Practicar con diferentes marcas, modelos, pesos y texturas, nos dará claridad para la elección en nuestra propia voz instrumental. Federico Landaburu 155.158.5710

He aqui uno de los errores o malos entendidos rítmicos de la eternidad... La figura de arriba es un TRESILLO DE NEGRAS, siendo un grupo irregular por adición en caso de compases regulares que dura un tiempo de blanca, la cual se subdivide REGULARMENTE en dos negras, aunque con esta agrupación se subdivide de modo IRREGULAR en tres partes iguales. La figura del tresillo implica que se ejecuten tres notas en la misma duración rítmica de dos unidades de igual valor. La intención del tresillo es agregar valores y agrupaciones ternarias (compuestas) en subdivisiones netamente binarias. La figura que se ubica abajo, es conocida como " TRESILLO CUBANO"; aunque no es un tresillo en si mismo. Esta célula rítmica conforma el grupo de 3 golpes en la CLAVE DE SON y si denominamos cada uno de estos 3 golpes, se establece que : La negra con puntillo es el PULSO TÓNICO ; la semicorchea siguente se denomina BOMBO y el ultimo golpe, se define como PONCHE. Los dos primeros golpes (Corchea con puntillo y semicorchea), se denominan como SALTILLO. La duración rítmica del Tresillo cubano es de 2 negras REGULARES); y aunque la duración del TRESILLO, es de dos negras REGULARES, aqui se ejecutan TRES NEGRAS IRREGULARES. Aprender, razonar y comprender la Valoración de figuras musicales, no es solo OBLIGACION DEL BATERISTA Y/O PERCUSIONISTA, sino que es una RESPONSABILIDAD DE TODO MÚSICO. Federico Landaburu 155.158.5710

Hay dos tipos de bateristas: los que leen música y los que no. He conocido a muchos bateristas talentosos que han decidido que no pueden o no quieren leer música, y que nunca se dan la oportunidad de probar. La notación y la lectura a primera vista pueden ser abrumadoras, pero es una habilidad útil, y una que es fácil si lo aprendes bien. Antes de entrar en los consejos, sin embargo, considera el aspecto mental. Si dices que no puedes leer música, entonces no puedes. Tu mente se cerrará instantáneamente frente a la posibilidad, convirtiéndola en algo "allá afuera" e imposible. Toma la decisión de permitirte aprender a leer, y crearás el estado mental adecuado para hacerlo. Estos son algunos trucos que uso para facilitar mucho la lectura a primera vista: * Cuando recibo una partitura, lo primero que hago es mirar a lo largo de todo para ver cuántas páginas son y cuál es el tempo o los tempos. * Veo si la sensación o el estilo está anotado y si cambia a lo largo de la canción, e interiorizo ​​antes de intentar tocar cualquier cosa. Luego tomo un marcador y me pongo a trabajar. Destaco todo el "mapa musical", codas, DS, terminaciones alternativas y cualquier cosa que me diga adónde ir para que mi vista pueda verlo fácilmente. Tomo un bolígrafo y hago un círculo en los golpes o pasajes importantes, así puedo estar preparado para ellos mientras estoy tocando. Además, a menudo habrá cambios en el último minuto que querrás anotar. * Lee la pieza. Si tienes suficiente tiempo, lee visualmente todas las barras de compás. Toma todas las repeticiones, codas y DS exactamente como están, para que se sienta más cómodo cuando vayas a ejecutarlo. Incluso los atletas olímpicos atribuyen una gran parte de su éxito a la práctica mental y la visualización. * Atrapa lo que puedas. Puede que no puedas ejecutarlo perfectamente, pero asegúrate de aclarar tus prioridades. Los tres elementos más importantes para tocar, según mi visión: 1) marcar y respetar la forma, 2) mantener el tempo por un período de tiempo y 3) establecer la interpretación estilística para tu ejecución. Federico Landaburu 155.158.5710

* Errores que debes evitar: 1) Tanto el exceso de confianza como la falta de confianza son trampas del ego y distracciones. Mantente enfocado en la música. 2)La falta de fe en el material de práctica puede hacernos arañar la superficie y rendirnos. ¿Alguna vez pensaste "Hmm ... quiero mejorar pero realmente no siento que esto me vaya a llevar a ninguna parte"? Practicar casi cualquier cosa de forma concentrada y relajada, con ganas de mejorar, arrojará resultados positivos. Toma una decisión y sigue adelante. 3) Falta de inspiración: Practicar sin inspiración es como tratar de llevar tu auto a la ruta sin nafta. Encuentra tu fuente de inspiración y ve a ella. La motivación ayudará a responder a preguntas básicas aunque existenciales,como por ejemplo: ¿De verdad quiero mejorar?, ¿Por qué?, ¿Cual es el mejor camino?, etc. 4) La falta de objetivos y no darte crédito por tus esfuerzos. Rascas la superficie y, por lo tanto, no obtienes la recompensa del progreso. Mira hacia atrás en el progreso que has hecho. ¿Qué se necesitó para llegar allí?. Reconoce tus logros y aprende de sus experiencias. 5) Mantener la tensión: Trata de mantenerte físicamente relajado y centrado. Tengamos en cuenta la postura y técnica. 6) Poner el tiempo pero no enfocarte o realmente querer mejorar. Dedicar tiempo sin tener consciencia u objetivos, no sólo será una pérdida irrecuperable, sino que ademas, será un círculo vicioso entre frustración, desmotivación y dudas de continuidad Federico Landaburu 155.158.5710

Conclusiones: 1. Construye una visión de quien quieres ser como baterista. Éste es un gran primer paso para tomar. Piensa en la respuesta a la pregunta, "si tuvieras habilidades ilimitadas, ¿cómo se vería y sonaría tu forma de tocar?" . Acciona desde la idea de que tu visión es real y experiméntela de la manera más completa posible, para convertir la visión en misión; esto te ayudará a aclarar tus objetivos y te dará algunas ideas más específicas para trabajar. 2. Planea disfrutar de todas tus prácticas: Visualiza los resultados exitosos antes de comenzar, y prepárate para divertirse en camino a ello. Planear ver mejoras en cada sesión de práctica, es un modo de ver y mensurar tus progresos y disfrutar cada paso, enfocándote sin distracciones. 3. ¡Tener paciencia!: La paciencia es solo una decisión de sentirse cómodo con las circunstancias dadas. "Impaciencia" es simplemente una palabra para la ansiedad o la tensión que creas por vos mismo, basada en resistir las circunstancias o en querer que algo suceda antes de lo que sucede. La ansiedad y la tensión no ayudan en nada. Aprende a controlar tus emociones. La paciencia es solo una decisión para mantener la calma. Se puede estar tranquilo y aún tomar las medidas apropiadas que necesites para adquirir tales resultados. Practicar y mejorar en la batería y en la vida, implica mucha repetición, mantener el enfoque, y no olvidar que sin camino, no hay llegada. Federico Landaburu www.youtube.com/landa81 155.158.5710

¤ Clases de bateria : ♣ Postura , ergonomía y relajación : . Rango óptimo de eficiencia. . Economía de movimientos. . Balance y equilibrio. . Ángulos y alturas efectivas. ♣Notación musical y audioperceptiva: . Figuras simples y compuestas. . Cifrados de compás. . Lenguaje rítmico. . Células y ciclos rítmicos. . Permutaciones. . Subdivisiones binarias y ternarias. ♣ Técnica y Rudimentos : . Mecánica del golpe. . Análisis y estudio de motions. .Moeller. . Matched y traditional grip (punto de balance, y fulcro y leverage). . Heel up y Heel down (feathering, control & endurance) . Mecánica de ejecución de cada grupo de rudimentos ( rolls , diddles, flams & drags). ♣ Ostinatos : .trabajo de coordinación y desarrollo de las 4 extremidades. . Asignación simétrica de figuras de PULSO y de MELODÍA. .Desarrollo de pies y manos. ♣ Estilos : .Jazz, shuffle, vals, funk, bossa nova y ritmos de Brasil , patrones latinos, afrocuban, claves latinas, candombe, latin jazz, chacarera, ritmos africanos, fusión. ♣ Recursos instrumentales: .Stickings. .Odd groupings. .Desplazamientos y modulaciones métricas. .Grupos internos y compases de amalgamas. .Dinámicas. .Ghost notes. .Fraseos lineales. ♣Anexos: .Interdependencia en claves latinas. .Interrelación entre estilos y patrones. .Interpretación. .Improvisación. .Desarrollo instrumental. .Toque con click. .Escobillas (basamentos del libro "The brush artistry"). .Desarrollo rudimental: 40 rudimentos convencionales de PAS y Rudimentos Híbridos. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ■ Clases personalizadas con métodos nacionales y americanos de batería y percusión . ■ Métodos efectivos y eficientes de estudio. ■ Fortalecimiento en aspectos fundamentales. ◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆ ▼Clases en estudio: . Caballito ▼Clases escuela Yamaha: . Recoleta ▼Clases a domicilio: . A coordinar. =============================== * Consultar por clases quincenales y seminarios intensivos ( Técnica, coordinación, estilos, desarrollo creativo, etc ). → Federico Landaburu 》155.158.5710 》[email protected] 》www.youtube.com/landa81. 》Federico Landaburu

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Gordon Matthew Sumner...Drums Debemos intentar desde que comenzamos a esrudiar, buscar tocar con seguridad y precisión. Esto es algo que intento inculcar a mis alumnos desde el principio, para que desarrollen buenos hábitos desde el primer momento. Incluso con un sonido pesado, el instrunento debe tocarse con la técnica adecuada, un agarre relajado y correcto, así como permitir suficiente "rebote" en los parches y platillos, para evitar marcas de palos, abolladuras o incluso parches rotos. Hay varias razones importantes por las que tocar con más seguridad mejorará todas las áreas de tu interpretación en la batería. 1) El baterista es la voz dominante en un grupo musical: Tocar la batería con más seguridad alienta a tocar con mayor confianza y permite que la voz musical de un baterista se escuche realmente. Como el papel del baterista es sentar las bases de la música, debe tocar con firmeza y autoridad. Dentro de una banda o conjunto, los otros músicos mirarán al baterista en busca de orientación y dirección durante una actuación musical. Si se oyen dudas, inestabilidad o confusiones desde la batería, es muy posible que esto trascienda al resto de la banda. 2. La batería estable suena mejor en el escenario y en el estudio: Cualquier ingeniero de grabación dará fe de tener que hacer menos trabajo para hacer que la batería suene bien cuando se tocan con soltura y claridad. El resultado final dentro de la grabación de sonido siempre reflejará la calidad de la grabación capturada, y trabajar con una mejor base siempre dará como resultado una mejor mezcla. Para llenar un escenario o un estudio con un bombo que se lleve en el pecho y un backbeat estable y preciso, que envuelve el tambor, debe tocarse con confianza y potencia para lograr el mejor sonido desde el instrumento. 3. Tocar la batería con seguridad desarrolla consistencia: La consistencia es la clave para progresar como músico. Desarrollar y mejorar un aspecto de la ejecución, enfocará tu mente en lograr esto a través de la repetición. A través de la práctica de tocar con más confianza y seguridad, aprenderás a tocar la manera uniforme y constante. Federico Landaburu

HORA DE ESTUDIAR El tiempo que dedicamos a practicar con el instrumento, tiene que enfocarse y definirse correctamente, como: “Tiempo de práctica, que sirve para desbloquear las distintas zonas mentales que intervienen a la hora de tocar la batería, así como para adquirir las capacidades físicas necesarias para realizar esta actividad”. Es por esto que, en mi opinión, hay que trabajar dos áreas muy diferenciadas: La técnica y la mentalidad musical: A veces perdemos mucho tiempo trabajando solo en una parte, la técnica. Cuando practicamos, nos centramos en hacer las cosas rápido (o de la forma mas complicada posible), sin reparar en que hay otras áreas mucho más interesantes (o lo que es más importante, más practicas). Antes de comenzar con ejercicios, es muy importante comprender que la música no sale de las manos, sale de la mente. Tus manos (o tus pies), son sólo una herramienta. La coordinación, el saber desenvolverse en un ámbito musical, el expresar lo que queres realmente y no lo que “te sale” (control sobre lo que haces), la creatividad, son algunos de los frutos de desarrollar adecuadamente este aspecto. La mentalidad musical, es un concepto muy importante que esta relacionado con otras frases más familiares como: “sentido del ritmo”, “oído musical”… pero no es lo mismo. ¿Te has preguntado alguna vez, por qué una persona que sabe tocar un instrumento, tiene más facilidad en aprender otro diferente? La respuesta es sencilla. Es por que, en menor o mayor grado, su mentalidad musical está desarrollada, y no parte de cero como cualquier otra persona que no tenga experiencia musical. Podemos hacer varias cosas: Escuchar música es algo fundamental. Comprender cuando interviene cada instrumento, saber identificar cada sonido de la batería, etc. Tocar música encima de play alongs (canciones sin batería) o discos. Ver actuaciones en directo, o videos de gente tocando intentando comprender que es lo que están haciendo (donde se pueda ver con facilidad lo que hacen), etc. Aunque no seas capaz de tocar lo que estas viendo, es muy importante que entiendas lo que está pasando, e incluso que lo sientas. Federico Landaburu 155.158.5710

*Deberíamos aprender a ejecutar el instrumento desde los pies : A) Práctica de manera lenta y consciente, buscando la calidad del movimiento y el control. Cuando empieces a mejorar, intenta tocar más rápido. Prueba diferentes técnicas (Talón levantado, talón apoyado o talón-punta). B) Calibra la tensión de los pedales donde mejor responde al movimiento. Recuerda que la respuesta del mismo está relacionada con la tensión del resorte, la distancia del beater y la tensión del parche. C) Si utilizas la técnica del talón apoyado, utiliza el movimiento de tus pantorrillas y tobillos. Ubica tu pie en las 3/4 partes del pedal, siendo donde la plantilla del pedal comienza un ensancharse, siendo un punto de referencia, dado que es todo donde se encuentra el pívot, que es donde mejor se equilibra la mecánica del pedal con la ergonomía de la ejecución. D) Coloca tu pie derecho en el suelo. Sin despegar tu talón, levanta a parte de adelante de tu pie del suelo. Busca desarrollar los músculos interiores y flexibilizar tus tendones, a fin de naturalizar el movimiento. E) Cuando tus talones toquen el suelo, apoya la parte delantera de tus pies hacia abajo hasta piso esta también toque el suelo. Busca concientizarte de la naturalidad de cada movimiento descendente. Continua apoyando el pie hasta que el talón evite el contacto con el piso. F) Ubica la parte delantera de tu pie del suelo y cuando la punta de tu pie toque el suelo, genera un movimiento directo y acelerado, hasta que todo tu pie toque el suelo y toda la base de los pies estén sobre el piso. Técnicamente, lo que estás haciendo es alternar tu pie de punta a talón y levantarlo cuando alguna de éstas partes toca el suelo. G) Otra alternativa es ubicar tu talón arriba (Heel up). Para ello, deja que tu pie toque la parte trasera del pedal primero. Cuando tu talón toca el pedal, apoya la punta de tu pie hacia abajo mientras el pedal vuelve a su posición de origen. H) Realiza un movimiento con el talón levantado. Asi, lograrás tocar el pedal con la punta de tus pies. I) Desliza tu talón hacia delante para así obtener un segundo golpe. Ésta técnica se denomina Heel Toe Federico Landaburu 155.158.5710

Vininie con cara: " Esto ya lo sé...". Weckl con la expresión de: "¿Puede repetir, Profe?" Bissonette, pareciendo no entender un carajo y con ganas de irse. Gadd, aplicado y resolviendo. Louis Bellson, siempre atento y respetuoso... Y Chambers, con ganas de rajarse, como los viernes a la última hora del colegio.... Aula Percusiva... Tiempo para practicar y tiempo para jugar: Uno de los errores más grandes que puede cometer un baterista es no dedicar tiempo a la práctica, con un enfoque distinto al tiempo de tocar. Lo creas o no, aquí hay una gran diferencia. El tiempo de práctica es una oportunidad para trabajar en el control de los golpes, la dinamica y orquestaciones en nuestra batería, pulir habilidades y otras dessrrollar algunas técnicas que buscamos mejorar o aprender. El tiempo de tocar es una oportunidad para aplicar las habilidades recién aprendidas a situaciones reales e interactuando con otros musicos. Debemos lograr balancear ambas situaciones y estadíos mentales. Por lo tanto, mi primer consejo es programar un tiempo en la semana para practicar y un momento para tocar. De ésta manera podremos sentarnos y concentrarnos en desarrollar nuestra independencia, velocidad y control de nuestros pies y manos sin distraernos; para luego una vez asimilados los movimientos y desarrollada la memoria muscular, aplicarlo en favor de la música. Federico Landaburu 155.158.5710

American grip: Es un híbrido de grips alemán y francés, con las palmas en ángulo ni paralelo ni perpendicular al parche, esta es la posición de agarre predeterminada para la mayoría de los bateristas principiantes, o para aquellos que simplemente eligen una posición de ejecución más ergonómica que las técnicas mas avanzadas. Federico Landaburu