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*Perseverancia: .El que abandona no tiene premio: Para todas las personas que deciden que quieren ser bateristas, probablemente el 90% de ellos siga el camino mas típico Se encuentran algunos palillos, se les dice que trabajen en algunos rudimentos o en un rudimento básico y asi empezamos a picar la piedra. Se tiene una oportunidad de 10 minutos de concentración aquí y allá y no ven ninguna mejora, por lo que se dan por vencidos. Racionalizan esto diciendo que "no tienen sentido del ritmo" o "no están coordinados", o buscando cualquier excusa (que no es JUSTIFICACIÓN), para poder dejar el proceso a medio camino. Se necesita tiempo y perseverancia para que la información se convierta en conocimiento y capacidad. Elige cualquier libro de motivación sobre cómo hacerte rico, perder peso o dejar de fumar y encontrarás la palabra perseverancia una y otra vez. *¿Qué es la perseverancia?: La perseverancia es esencialmente el acto de continuar haciendo algo que sabes que debería funcionar, incluso cuando crees que no funciona. Practicar cuando ves resultados inmediatos es algo muy placentero. Practicar cuando sientes que vas a ninguna parte puede parecerte muy inútil. Sigue así hasta que veas algunos resultados. Básicamente, nunca mejorarás si no practicas, pero la gráfica de la mejora perceptible trazada contra el tiempo dedicado a la práctica no siempre es lineal. Hay momentos en los que dedicarás horas y no verás ninguna mejora. Esos son los puntos que hacen la diferencia entre los grandes músicos y los buenos. Los grandes ponen las horas en cualquier lugar, los medios se dan por vencidos y eligen algo más que hacer con su tiempo. La táctica es apuntar a ir y regar el árbol todos los días. Así es como se forman los hábitos. Sé que el concepto de disciplina no suele tener, a priori, acepciones positivas. Quizás no las tenga en su proceso, porque es hacer aquello que sabemos que debemos hacer aún sin querer hacerlo. Está grandiosa mecánica será fructífera en el resultado final, aunque en el proceso no sintamos su crecimiento. La diferencia no es el tiempo que tenemos, sino como decidimos invertirlo. Federico Landaburu 155.158.5710

4/30/2024, 4:49:55 PM

Continuó así....Crecimos, nos volvimos borrachines y parranderos; pero la bata, no se mancha....

4/30/2024, 4:32:59 PM

¤ Clases de bateria : ♣ Postura , ergonomía y relajación : . Rango óptimo de eficiencia. . Economía de movimientos. . Balance y equilibrio. . Ángulos y alturas efectivas. ♣Notación musical y audioperceptiva: . Figuras simples y compuestas. . Cifrados de compás. . Lenguaje rítmico. . Células y ciclos rítmicos. . Permutaciones. . Subdivisiones binarias y ternarias. ♣ Técnica y Rudimentos : . Mecánica del golpe. . Análisis y estudio de motions. .Moeller. . Matched y traditional grip (punto de balance, y fulcro y leverage). . Heel up y Heel down (feathering, control & endurance) . Mecánica de ejecución de cada grupo de rudimentos ( rolls , diddles, flams & drags). ♣ Ostinatos : .trabajo de coordinación y desarrollo de las 4 extremidades. . Asignación simétrica de figuras de PULSO y de MELODÍA. .Desarrollo de pies y manos. ♣ Estilos : .Jazz, shuffle, vals, funk, bossa nova y ritmos de Brasil , patrones latinos, afrocuban, claves latinas, candombe, latin jazz, chacarera, ritmos africanos, fusión. ♣ Recursos instrumentales: .Stickings. .Odd groupings. .Desplazamientos y modulaciones métricas. .Grupos internos y compases de amalgamas. .Dinámicas. .Ghost notes. .Fraseos lineales. ♣Anexos: .Interdependencia en claves latinas. .Interrelación entre estilos y patrones. .Interpretación. .Improvisación. .Desarrollo instrumental. .Toque con click. .Escobillas (basamentos del libro "The brush artistry"). .Desarrollo rudimental: 40 rudimentos convencionales de PAS y Rudimentos Híbridos. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ■ Clases personalizadas con métodos nacionales y americanos de batería y percusión . ■ Métodos efectivos y eficientes de estudio. ■ Fortalecimiento en aspectos fundamentales. ◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆ ▼Clases en estudio: . Caballito ▼Clases escuela Yamaha: . Recoleta ▼Clases a domicilio: . A coordinar. =============================== * Consultar por clases quincenales y seminarios intensivos ( Tecnica, coordinacion, estilos, desarrollo creativo, etc ). ↓ ↓ ▶ Contactos y consultas : → Federico Landaburu 》155.158.5710 》[email protected] 》www.youtube.com/landa81

4/29/2024, 10:02:29 PM

In GADD we trust..... Stephen Kendall

4/28/2024, 9:00:27 PM

Aprender a practicar de manera eficiente puede marcar una diferencia increíble en la forma en que crecemos como músicos. Durante mucho tiempo me encontraba sentado detrás de la batería con sesenta minutos para practicar y no tenía ni idea de por dónde empezar o qué hacer. Lo siguiente que supe es que me iría sesenta minutos más tarde, nada mejor que cuando llegué. Años más tarde encuentro que el tiempo es demasiado valioso como para desperdiciar una mercancía, y no tengo más remedio que organizarme brutalmente con mi tiempo de práctica. Es nuestra obligación administrar y manejar nuestro tiempo, me refiero a la vida de aprendizaje y crecimiento. Es genial agregar tanto a nuestra rutina como sea posible porque al final puedes tomar lo que quieras y dejar el resto. Espero que algunas de estas sugerencias sobre cómo practicar puedan ser una gran adición a la práctica particular de cada músico. Tomar lo que funciona para cada persona en particular y siéntete libre de dejar el resto. Uno de los aspectos más importantes de estudiar, es saber exactamente cuáles son sus objetivos como músico. Ayuda a muchas personas simplemente escribir una lista con objetivos específicos. Con el propósito de practicar, la mayoría de estos tendrán que ver con crecer técnicamente, aprender, aprender nuevos estilos, aprender nuevas canciones, etc. El tiempo de práctica podría verse así: *10 minutos: Warm Up (golpes simples y dobles, con rangos dinámicos y en pirámide de subdivision). *15 minutos: aprende un nuevo ritmo, o sobre algo ta sabido, escribir y realizar tus aportes y variantes. *15 minutos: repasar las primeras tres páginas de los ejercicios de sticking del libro Stick Control de George Lawrence Stone ... pero todo sobre pulsos diveros pies a tempos lentos, medios, etc. *15 minutos: Desarrollar un rudimento por dia. * 5 minutos: Cold Down con un ritmo simple, donde puedas aplicar las ideas vistas. Obviamente no es ciencia exacta. Sin embargo, sí requiere intención, organización y administración del tiempo. Nuestro desafío es aprender a administrar el tiempo dedicado a consciencia, a cada temática, con el fin de nuestra evolución. Federico Landaburu 155.158.5710

4/28/2024, 6:16:04 AM

Todos conocemos la importancia del metrónomo en las más diversas circunstancias. Tanto para practicar, como para grabar, incluso al momento de tocar en público, este pequeño adminículo es nuestra mejor referencia. Y como los bateristas somos a la vez la guía de nuestros compañeros de banda, su relevancia es aún mayor. Sin embargo, no faltan las oportunidades en que no podemos contar con su apoyo. Una sesión improvisada, una pila que se agota, el ruido que lo opaca o un simple olvido, pueden obligarnos a prescindir de sus servicios. Desarrollar nuestro "Metrónomo Interno" es por ello de extraordinaria importancia, y algo que se va ganando sólo con la práctica. A decir verdad, han habido grandes bateristas que jamás recurrieron al click, ni siquiera al momento de grabar, como John Bonham, Ringo Starr y Roger Taylor; y nadie va a decirnos que Led Zeppelin, The Beatles o Queen sonaban desacompasados. Existen distintas técnicas para ir desarrollando nuestro control del tempo sin ayuda del metrónomo. Entre las más conocidas podemos señalar las siguientes. *Conteo de Métrica: La primera y más simple es acostumbrarnos a contar los tiempos y los compases, de la manera más exacta posible. El uso exclusivo de monosílabos, como hacerlo en inglés, puede contribuir mucho a este propósito. *Reducir el Tempo en el Metrónomo: Consiste en bajar primero a la mitad y luego a la cuarta parte el tempo del metrónomo. En el primer caso estaremos pasando a contar blancas, y en el segundo redondas. Con ello vamos reduciendo en forma progresiva nuestra dependencia del click. *Reducir el Volumen del Metrónomo: Esto nos pone en una situación muy parecida a la de tocar en público en la que la bulla termina opacando el click. Irlo apagando en forma progresiva sirve para que vayas dependiendo cada vez menos del metrónomo, sin que te sientas abandonado en el proceso, porque sabes que ahi, aunque bajito, te está respaldando. *Silenciar la Pista de Respaldo: En este caso se trata de ir silenciando tramos cada vez más largos de la pista de respaldo, de modo que lleguemos eventualmente al punto de no requerirla. Federico Landaburu www.youtube.com/landa81

4/28/2024, 6:11:25 AM

Al aprender a tocar la batería, todos esperamos ese momento en el que podamos disfrutar a mayor velocidad con nuestras canciones favoritas. Definitivamente hay algo estimulante y enormemente satisfactorio sobre tocar a tempos más rápidos, pero nuestra obsesión por la velocidad a menudo puede llevar a un descuido inadvertido de la base que ayuda a generar control. La velocidad no es más que un subproducto del control. Siendo este el caso, la forma de desarrollar la velocidad es reducir la velocidad y prestar mucha atención a los fundamentos importantes del ritmo y la técnica. Encontrarás algo muy interesante en los ritmos lentos del metrónomo: es más difícil tocar con precisión y musicalidad al principio. Esto es muy común, pero la respuesta no es aumentar inmediatamente el tempo a una velocidad más cómoda, donde puede sentir que estás "grooveando" mejor. La mejor práctica es perseverar en los ritmos más lentos y desarrollar el tiempo y la competencia contando en voz alta y con práctica regular. De esta manera, estás desarrollando una base sólida. Recuerda, los edificios más altos tienen los cimientos más profundos. Si estuviéramos en la industria de la construcción responsable de construir una torre de veinte pisos, no comenzaríamos en el piso seis. Comenzaríamos por la base y nos aseguraríamos de que sea sólida. Una vez que te sientas cómodo con los tiempos más lentos, pequeños incrementos (normalmente 5 latidos por vez) serían el próximo paso recomendado. A lo largo de todo esto, también debe prestar mucha atención a su técnica. Si experimenta estrés físico o malestar a ritmos superiores, esto es una señal de que su técnica puede beneficiarse de una puesta a punto. Es importante entender que la velocidad es solo un componente de la percusión. Es vital poder tocar musical y competentemente en todos los ritmos, desde lento a rápido. El tiempo, después de todo, es nuestra prioridad número uno. Federico Landaburu 155.158.5710

4/28/2024, 5:54:48 AM

*Deberíamos aprender a ejecutar el instrumento desde los pies : A) Práctica de manera lenta y consciente, buscando la calidad del movimiento y el control. Cuando empieces a mejorar, intenta tocar más rápido. Prueba diferentes técnicas (Talón levantado, talón apoyado o talón-punta). B) Calibra la tensión de los pedales donde mejor responde al movimiento. Recuerda que la respuesta del mismo está relacionada con la tensión del resorte, la distancia del beater y la tensión del parche. C) Si utilizas la técnica del talón apoyado, utiliza el movimiento de tus pantorrillas y tobillos. Ubica tu pie en las 3/4 partes del pedal, siendo donde la plantilla del pedal comienza un ensancharse, siendo un punto de referencia, dado que es todo donde se encuentra el pívot, que es donde mejor se equilibra la mecánica del pedal con la ergonomía de la ejecución. D) Coloca tu pie derecho en el suelo. Sin despegar tu talón, levanta a parte de adelante de tu pie del suelo. Busca desarrollar los músculos interiores y flexibilizar tus tendones, a fin de naturalizar el movimiento. E) Cuando tus talones toquen el suelo, apoya la parte delantera de tus pies hacia abajo hasta piso esta también toque el suelo. Busca concientizarte de la naturalidad de cada movimiento descendente. Continua apoyando el pie hasta que el talón evite el contacto con el piso. F) Ubica la parte delantera de tu pie del suelo y cuando la punta de tu pie toque el suelo, genera un movimiento directo y acelerado, hasta que todo tu pie toque el suelo y toda la base de los pies estén sobre el piso. Técnicamente, lo que estás haciendo es alternar tu pie de punta a talón y levantarlo cuando alguna de éstas partes toca el suelo. G) Otra alternativa es ubicar tu talón arriba (Heel up). Para ello, deja que tu pie toque la parte trasera del pedal primero. Cuando tu talón toca el pedal, apoya la punta de tu pie hacia abajo mientras el pedal vuelve a su posición de origen. H) Realiza un movimiento con el talón levantado. Asi, lograrás tocar el pedal con la punta de tus pies. I) Desliza tu talón hacia delante para así obtener un segundo golpe. Ésta técnica se denomina Heel Toe Federico Landaburu 155.158.5710

4/28/2024, 5:51:40 AM

El peso es un factor muy importante a la hora de tocar, tanto para la forma de tocar como para el volumen y la presencia. Los términos Heavy, Power, Rock o Metal corresponden a versiones más pesadas. Los términos Medium, Medium-Thin, Thin o Jazzcorresponden a modelos más ligeros. Un plato pesado tiene tendencia a sonar de manera metálica y más fuerte que uno ligero de fabricación idéntica. A la vez, el mismo tiempo de respuesta es más lento y la resonancia más larga. La “carga” del plato toma más tiempo para detenerse. Por lo tanto los platillos más pesados son los más adecuados para bateristas que tocan en grupos potentes Los platos de mayor peso son igualmente más fáciles de escuchar sobre un escenario grande. Y atención: no hay que pasarse con el peso o correrás el riesgo de que el sonido suene demasiado fuerte y tarde o temprano acaba siendo una molestia para todo el mundo. Si sos baterista de Rock, Pop, Funk, Soul o Hip Hop, estarás más satisfecho con modelos de peso más ligero. La tendencia actual para estos estilo musicales son los modelos más finos que responden rápidamente y se atenúan rápidamente. Si tocas en grupos pequeños, acompañado de un cantante-compositor, estaría bien tener en cuenta como en una batería de Jazz, unos platos finos que necesitan poca energía de impacto para alcanzar su pleno sonido serían lo más acertado. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito

4/28/2024, 5:50:06 AM

La confianza es física: Hay mucha más inteligencia en cómo tu cuerpo desarrolla la memoria muscular, por ejemplo, que en lo que tu mente sabe. Hay mucha más inteligencia en lo que tu sangre sabe acerca de vos mismo, que lo que tu materia gris sabe, solo sentado allí en tu instrumento, quizas perdido... Y solo quien se pierde, debe trabajar para reencontrarse.... Sé tu sangre: Logra controlar el momento y está orgulloso. Tu mente, con su charla y comentarios incesantes, con sus constantes juicios y comparaciones, con su dependencia del pasado y el futuro (tiempo) para existir y para mantenerte a vos y a tu felicidad sofocada, ¿no es así? ... Para conocer un árbol, no tienes que pensar en eso. Solo obsérvalo. Míralo, tócalo. Estudialo. Escúchalo crujir, mira cómo se balancea. Dejarlo ser. Para entender un montón de notas en una página, no tienes que pensar en ellas. Observa cómo se juntan. Solo míralos. Escúchalos. Estudiarlos sin deseo y sin juicio. Si tocas las notas en tu mente, se mostrará la forma mas natural de ejecutarlas. Cuando las notas viajen de tu mente a tu cuerpo, podrá usarlas musicalmente. Para adquirir una facilidad física y estar conectado con la la situación real, la mente debe pasarse por alto. Déjate cometer errores. Déjate ser un principiante. Hay una infinita cantidad de alegría.... Termina cada jornada dando lo mejor, y date crédito por ello... En definitiva, la vida no es Whiplash.... Federico Landaburu 155.158.5710

4/28/2024, 5:48:58 AM

.Mejorar tú práctica requiere practicar tu mejora: Después de horas y jornadas interminables de estudio son muchas las sensaciones que pueden asomar a nuestra mente. Muchas de ellas pueden surgir de un agotamiento físico, otras pueden surgir de una frustración ante no avanzar, otra puede ser la duda de como “ Ayer me salía todo, y hoy no me sale nada...”.. Y la verdad es que TODAS esas sensaciones tienen una respuesta adecuada y específica, pero solo vamos a tomar aquellos planteos que aparecen en relación al estancamiento en el mismo punto frente al instrumento y en el grado de expresión junto a él. Hay una cuestión más común de lo imaginable, que en años de dar clases, como en años de seguir siendo estudiante, muchas veces dije, y otras tantas escucho de mis alumnos; y la misma responde a porque si ayer nos salía ese ejercicio o tarea, hoy, frente a nuestro profesor, o en otra nueva jornada de estudio, queda trunca ante la imposibilidad de concreción en determinados tópicos de la formación instrumental. Hay que establecer, entonces, una serie de factores que serán de gran utilidad a fin de poder capitalizar y maximizar nuestras jornadas de estudio y practica: A) Definir un plan:Debemos ser conscientes y sinceros sobre que puntos realmente debemos madurar y mejorar, dado que solo así podremos establecer o pedir ayuda, en el camino que será el más adecuado para trascender tal etapa. Cuando refiero a CAMINO ADECUADO, debemos entender que no menciono CAMINO MAS CORTO, dado que si es corto será un atajo, y los atajos, suelen traer grandes demoras. Sera mucho más nutritivo poder estar un mayor tiempo profundizando en aspectos específicos, y hallar una conexión a otros temas relacionados, dado que la relación de ideas, términos e informaciones, nos facilitaran la comprensión y retención de material, además de ayudarnos a nuestro desarrollo creativo. B) Definir metas a plazos acordes: Este tema no es menor, dado que algunos aspectos o aprendizajes requieren mayor tiempo de internalización o de asimilación, lo cual es SIEMPRE variable a cada persona, y uno debe ser congruente a que tiempos demanda cada tópico. Federico Landaburu 155.158.5710

4/28/2024, 5:48:13 AM

*¿Cuánto tiempo lleva aprender los fundamentos para tocar?: La respuesta a esa pregunta depende de lo que trates de sacar de la batería. Si quieres dominar algunas canciones y ritmos, puede llevar un par de meses; si quieres ser lo suficientemente confiable y seguro como para estar en una banda, puede llevar un año o dos. Pero los grandes bateristas que todos admiramos, los que tienen una gran carrera como bateristas, ven a los tambores como un viaje de aprendizaje constante de por vida. Hay tantas técnicas y estilos de percusión que, incluso si dominas la ejecución de algún género específico o tienes más groove que Tony Williams, todavía hay mucho que aprender. En nuestros primeros pasos, generalmente nos hacemos esta pregunta con tono preocupado, ya que estamos luchando en incorporar el concepto en el cual hemos estado trabajando. Al igual que cualquier otra cosa que aprendas a hacer, a veces puedes sentirte poco inspirado, o tal vez te sientes atrapado. Todo el mundo tiene esta sensación en algún momento, ya sea que estés empezando a aprender a tocar la batería o que has estado tocando la batería durante mucho tiempo. A lo largo de los años, he notado algunas cosas sobre la forma en que aprendo a relacionarme con el instrumento, la forma en que practico y la forma en que manejo la adversidad. Debemos tratar de contemplar algunas ideas que serán de gran ayuda: .Establecer metas razonables: Un gran error que cometen los estudiantes es que muerden más de lo que pueden masticar en la jornada de práctica. .Establecer metas es una de las claves para tener éxito, pero si estableces tus metas de manera demasiado amplia, podrías frustrarte tratando de lograrlas sin la maduración necesaria y el proceso adecuado. .Tener una actitud positiva: El camino de formación es arduo, constante y disciplinado. Requiere honestidad, tolerancia a la frustración y perseverancia. Una vez que hayas llegado a ser como anhelabas, debes tener humildad de seguir aprendiendo. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito 155.158.5710

4/28/2024, 5:46:50 AM

Who there likes Alex Rudinger's weight and technique? 🥁🔥 - 📸 Via 📷Unknown, tag to Credit:! - Tag someone who needs to see this💙 - 🛍️𝗦𝗛𝗢𝗣 𝗡𝗢𝗪🔥𝗟𝗜𝗡𝗞 𝗜𝗡 𝗠𝗬 𝗕𝗜𝗢👆🏻𝗪𝗼𝗿𝗹𝗱𝘄𝗶𝗱𝗲 𝗦𝗵𝗶𝗽𝗽𝗶𝗻𝗴✈️ - - - - #chops #paiste #drumfam #drumsdaily #batera #sabiancymbals #drumsdrumsdrums #tamadrums #meinlcymbals #drumsoutlet #snaredrum #instadrum #instadrummer #drumshed #instadrumvids #drumshare #drummersclub #drummerscornergroup #bassdrums #stavedrums #spiritofthedrummer #vintageludwig

4/27/2024, 2:31:22 PM

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4/26/2024, 4:04:52 PM

Cómo mantenerse saludable y creativo: Es difícil encontrar alguna razón para no querer una gran técnica física ... ¿Qué tan frustrante es tener una idea creativa y / o un sonido específico en la cabeza pero no poder tocarla o desarrollarla debido a un problema técnico? Desde un punto de vista físico puro, como una forma de reducir el riesgo de lesiones, ¿no tiene sentido dedicar una cantidad regular de tiempo al estudio y la práctica de la técnica? Una pregunta: si te ofrecieran una gran técnica física, sin tener que hacer ningún trabajo, dándote control de tu sonido y permitiéndote mejorar tu expresión creativa, sin restricciones técnicas, ¿la tomarías ...? Asumo que la respuesta es casi obvia, aunque la personal decisión es respetable y propia. No creo que nadie tenga de modo innato determinadas habilidades que otra persona no pueda conseguir; es decir, nadie es mas o menos habilidoso o capaz que otro, desde nacimiento. Lo que si marca diferencias son los entornos (aquella persona que vive en un determinado ambiente, con definidas influencias y con elementos que resultan cotidianos en su vida diaria), van a tener un acercamiento y aproximación natural a dicho ámbito, que lo hará queben su crecimiento y maduración, pueda desarrollar otra profundización en cuestiones puntuales, con mayor facilidad y libertad, que otra persona que se crió en un ambiente distinto, que decidi luego, empezar a recorrer dicho camino; es decir, quien se desarrolla en una familia de músicos, al vivir entre ensayos, instrumentos, influencias variadas, estilos o géneros, etc. tiene una tendencia a desarrollar con mayor comodidad dichas vetas artísticas, que aquella persona que se creció en un entorno con menor o nula expresión artística. Lo cual no hace un super artista a quien se crió en tal ámbito ni inhabilita ni cohibe al que no. Como la genética, la tendencia no establece ni define obligatoriedad (no porque mis padres sean delgados, yo lo seré; tendré la tendencia, lo cual no lo garantiza si uno no complementa). Entonces, más allá de entornos, ámbitos de crecimiento, elementos cotidianos, etc., está nuestra decisión y compromiso. Federico Landaburu 155.158.5710

4/25/2024, 3:26:04 PM

.Estudiar con baquetas mas pesadas: ¿Si o No?: Ante todo, debemos saber que el tipo de baquetas que decidimos elegir, debe estar relacionado a la música que tocamos, a la medida de nuestras manos y fundamentalmente, al tipo de sonido que deseamos obtener. Si bien es cierto que añadir peso adicional a nuestra medida habitual, podría redundar en mayor fortaleza, no considero que sea lo más adecuado para el baterísta. Las baquetas cargadas NO son una buena idea. Algunos dicen que construyen músculos fuertes y potentes. La verdad es que si bien necesitamos un trabajo diferencial y direccional, creo que debemos definir objetivos específicos: Considero mejor la RESISTENCIA a la FUERZA, SENSIBILIDAD a la POTENCIA, y CONTROL a la EXIGENCIA. El levantar más peso es bueno para los culturistas y jugadores de fútbol, ​​pero no para los bateristas. La velocidad y la precisión en la técnica requieren músculos largos, delgados y más flexibles, NO músculos voluminosos de tipo levantador de pesas. Practicar con palos pesados ​​tenderá a desensibilizar tus manos, cuando deberías buscar aumentar tu sensibilidad. La continuidad de una serie de movimientos en distintas alturas y en una cantidad que se incremente, con tus baquetas habituales te ayudará a poder elongar tus tendones, a modo de hacerlos más plásticos y flexibles, lo cual permitirá una mayor comodidad en el movimiento de la muñeca. Algunos músicos percusionista, sostienen que practicar con una almohada es una buena idea. La teoría es que debido a que una almohada es suave, sin rebote, obliga a los músculos a "crear" el rebote, trabajando para levantar el palo y crear el downstroke. La realidad desde la física quizás pueda suponerse como algo positivo, pero es que si bien ganamos por un lado, perdemos conciencia de la respuesta similar a la que nos da un parche o platillo, por lo cual en una situación real, no tendríamos desarrollado el control, los rangos de movimiento efectivos y las alturas propias y reales del instrumento. Practicar con diferentes marcas, modelos, pesos y texturas, nos dará claridad para la elección en nuestra propia voz instrumental. Federico Landaburu 155.158.5710

4/25/2024, 3:24:05 PM

He aqui uno de los errores o malos entendidos rítmicos de la eternidad... La figura de arriba es un TRESILLO DE NEGRAS, siendo un grupo irregular por adición en caso de compases regulares que dura un tiempo de blanca, la cual se subdivide REGULARMENTE en dos negras, aunque con esta agrupación se subdivide de modo IRREGULAR en tres partes iguales. La figura del tresillo implica que se ejecuten tres notas en la misma duración rítmica de dos unidades de igual valor. La intención del tresillo es agregar valores y agrupaciones ternarias (compuestas) en subdivisiones netamente binarias. La figura que se ubica abajo, es conocida como " TRESILLO CUBANO"; aunque no es un tresillo en si mismo. Esta célula rítmica conforma el grupo de 3 golpes en la CLAVE DE SON y si denominamos cada uno de estos 3 golpes, se establece que : La negra con puntillo es el PULSO TÓNICO ; la semicorchea siguente se denomina BOMBO y el ultimo golpe, se define como PONCHE. Los dos primeros golpes (Corchea con puntillo y semicorchea), se denominan como SALTILLO. La duración rítmica del Tresillo cubano es de 2 negras REGULARES); y aunque la duración del TRESILLO, es de dos negras REGULARES, aqui se ejecutan TRES NEGRAS IRREGULARES. Aprender, razonar y comprender la Valoración de figuras musicales, no es solo OBLIGACION DEL BATERISTA Y/O PERCUSIONISTA, sino que es una RESPONSABILIDAD DE TODO MÚSICO. Federico Landaburu 155.158.5710

4/25/2024, 3:19:52 PM

Hay dos tipos de bateristas: los que leen música y los que no. He conocido a muchos bateristas talentosos que han decidido que no pueden o no quieren leer música, y que nunca se dan la oportunidad de probar. La notación y la lectura a primera vista pueden ser abrumadoras, pero es una habilidad útil, y una que es fácil si lo aprendes bien. Antes de entrar en los consejos, sin embargo, considera el aspecto mental. Si dices que no puedes leer música, entonces no puedes. Tu mente se cerrará instantáneamente frente a la posibilidad, convirtiéndola en algo "allá afuera" e imposible. Toma la decisión de permitirte aprender a leer, y crearás el estado mental adecuado para hacerlo. Estos son algunos trucos que uso para facilitar mucho la lectura a primera vista: * Cuando recibo una partitura, lo primero que hago es mirar a lo largo de todo para ver cuántas páginas son y cuál es el tempo o los tempos. * Veo si la sensación o el estilo está anotado y si cambia a lo largo de la canción, e interiorizo ​​antes de intentar tocar cualquier cosa. Luego tomo un marcador y me pongo a trabajar. Destaco todo el "mapa musical", codas, DS, terminaciones alternativas y cualquier cosa que me diga adónde ir para que mi vista pueda verlo fácilmente. Tomo un bolígrafo y hago un círculo en los golpes o pasajes importantes, así puedo estar preparado para ellos mientras estoy tocando. Además, a menudo habrá cambios en el último minuto que querrás anotar. * Lee la pieza. Si tienes suficiente tiempo, lee visualmente todas las barras de compás. Toma todas las repeticiones, codas y DS exactamente como están, para que se sienta más cómodo cuando vayas a ejecutarlo. Incluso los atletas olímpicos atribuyen una gran parte de su éxito a la práctica mental y la visualización. * Atrapa lo que puedas. Puede que no puedas ejecutarlo perfectamente, pero asegúrate de aclarar tus prioridades. Los tres elementos más importantes para tocar, según mi visión: 1) marcar y respetar la forma, 2) mantener el tempo por un período de tiempo y 3) establecer la interpretación estilística para tu ejecución. Federico Landaburu 155.158.5710

4/25/2024, 3:18:35 PM

Conclusiones: 1. Construye una visión de quien quieres ser como baterista. Éste es un gran primer paso para tomar. Piensa en la respuesta a la pregunta, "si tuvieras habilidades ilimitadas, ¿cómo se vería y sonaría tu forma de tocar?" . Acciona desde la idea de que tu visión es real y experiméntela de la manera más completa posible, para convertir la visión en misión; esto te ayudará a aclarar tus objetivos y te dará algunas ideas más específicas para trabajar. 2. Planea disfrutar de todas tus prácticas: Visualiza los resultados exitosos antes de comenzar, y prepárate para divertirse en camino a ello. Planear ver mejoras en cada sesión de práctica, es un modo de ver y mensurar tus progresos y disfrutar cada paso, enfocándote sin distracciones. 3. ¡Tener paciencia!: La paciencia es solo una decisión de sentirse cómodo con las circunstancias dadas. "Impaciencia" es simplemente una palabra para la ansiedad o la tensión que creas por vos mismo, basada en resistir las circunstancias o en querer que algo suceda antes de lo que sucede. La ansiedad y la tensión no ayudan en nada. Aprende a controlar tus emociones. La paciencia es solo una decisión para mantener la calma. Se puede estar tranquilo y aún tomar las medidas apropiadas que necesites para adquirir tales resultados. Practicar y mejorar en la batería y en la vida, implica mucha repetición, mantener el enfoque, y no olvidar que sin camino, no hay llegada. Federico Landaburu www.youtube.com/landa81 155.158.5710

4/25/2024, 3:11:34 PM

Justin Scott Kit 🔥🥁🤘 - 📸 Via 📷Unknown, tag to Credit:! - Tag someone who needs to see this💙 - 👉𝓣𝓪𝓹 𝓵𝓲𝓷𝓴 𝓲𝓷 𝓸𝓾𝓻 𝓑𝓲𝓸 𝓽𝓸 𝓸𝓻𝓭𝓮𝓻👆🏻 - - - - #chops #paiste #drumfam #drumsdaily #batera #sabiancymbals #drumsdrumsdrums #tamadrums #meinlcymbals #drumsoutlet #snaredrum #instadrum #instadrummer #drummerscorner #drumshed #instadrumvids #drumshare #drummersclub #drummerscornergroup #bassdrums #stavedrums #spiritofthedrummer #vintageludwig

4/25/2024, 1:42:36 AM

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4/24/2024, 3:13:25 AM

¤ Clases de bateria : ♣ Postura , ergonomía y relajación : . Rango óptimo de eficiencia. . Economía de movimientos. . Balance y equilibrio. . Ángulos y alturas efectivas. ♣Notación musical y audioperceptiva: . Figuras simples y compuestas. . Cifrados de compás. . Lenguaje rítmico. . Células y ciclos rítmicos. . Permutaciones. . Subdivisiones binarias y ternarias. ♣ Técnica y Rudimentos : . Mecánica del golpe. . Análisis y estudio de motions. .Moeller. . Matched y traditional grip (punto de balance, y fulcro y leverage). . Heel up y Heel down (feathering, control & endurance) . Mecánica de ejecución de cada grupo de rudimentos ( rolls , diddles, flams & drags). ♣ Ostinatos : .trabajo de coordinación y desarrollo de las 4 extremidades. . Asignación simétrica de figuras de PULSO y de MELODÍA. .Desarrollo de pies y manos. ♣ Estilos : .Jazz, shuffle, vals, funk, bossa nova y ritmos de Brasil , patrones latinos, afrocuban, claves latinas, candombe, latin jazz, chacarera, ritmos africanos, fusión. ♣ Recursos instrumentales: .Stickings. .Odd groupings. .Desplazamientos y modulaciones métricas. .Grupos internos y compases de amalgamas. .Dinámicas. .Ghost notes. .Fraseos lineales. ♣Anexos: .Interdependencia en claves latinas. .Interrelación entre estilos y patrones. .Interpretación. .Improvisación. .Desarrollo instrumental. .Toque con click. .Escobillas (basamentos del libro "The brush artistry"). .Desarrollo rudimental: 40 rudimentos convencionales de PAS y Rudimentos Híbridos. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ■ Clases personalizadas con métodos nacionales y americanos de batería y percusión . ■ Métodos efectivos y eficientes de estudio. ■ Fortalecimiento en aspectos fundamentales. ◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆◆ ▼Clases en estudio: . Caballito ▼Clases escuela Yamaha: . Recoleta ▼Clases a domicilio: . A coordinar. =============================== * Consultar por clases quincenales y seminarios intensivos ( Técnica, coordinación, estilos, desarrollo creativo, etc ). → Federico Landaburu 》155.158.5710 》[email protected] 》www.youtube.com/landa81. 》Federico Landaburu

4/24/2024, 1:49:34 AM

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4/24/2024, 1:09:44 AM

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4/23/2024, 7:32:34 PM

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4/23/2024, 3:43:58 PM

Gordon Matthew Sumner...Drums Debemos intentar desde que comenzamos a esrudiar, buscar tocar con seguridad y precisión. Esto es algo que intento inculcar a mis alumnos desde el principio, para que desarrollen buenos hábitos desde el primer momento. Incluso con un sonido pesado, el instrunento debe tocarse con la técnica adecuada, un agarre relajado y correcto, así como permitir suficiente "rebote" en los parches y platillos, para evitar marcas de palos, abolladuras o incluso parches rotos. Hay varias razones importantes por las que tocar con más seguridad mejorará todas las áreas de tu interpretación en la batería. 1) El baterista es la voz dominante en un grupo musical: Tocar la batería con más seguridad alienta a tocar con mayor confianza y permite que la voz musical de un baterista se escuche realmente. Como el papel del baterista es sentar las bases de la música, debe tocar con firmeza y autoridad. Dentro de una banda o conjunto, los otros músicos mirarán al baterista en busca de orientación y dirección durante una actuación musical. Si se oyen dudas, inestabilidad o confusiones desde la batería, es muy posible que esto trascienda al resto de la banda. 2. La batería estable suena mejor en el escenario y en el estudio: Cualquier ingeniero de grabación dará fe de tener que hacer menos trabajo para hacer que la batería suene bien cuando se tocan con soltura y claridad. El resultado final dentro de la grabación de sonido siempre reflejará la calidad de la grabación capturada, y trabajar con una mejor base siempre dará como resultado una mejor mezcla. Para llenar un escenario o un estudio con un bombo que se lleve en el pecho y un backbeat estable y preciso, que envuelve el tambor, debe tocarse con confianza y potencia para lograr el mejor sonido desde el instrumento. 3. Tocar la batería con seguridad desarrolla consistencia: La consistencia es la clave para progresar como músico. Desarrollar y mejorar un aspecto de la ejecución, enfocará tu mente en lograr esto a través de la repetición. A través de la práctica de tocar con más confianza y seguridad, aprenderás a tocar la manera uniforme y constante. Federico Landaburu

4/22/2024, 6:36:54 PM

*Deberíamos aprender a ejecutar el instrumento desde los pies : A) Práctica de manera lenta y consciente, buscando la calidad del movimiento y el control. Cuando empieces a mejorar, intenta tocar más rápido. Prueba diferentes técnicas (Talón levantado, talón apoyado o talón-punta). B) Calibra la tensión de los pedales donde mejor responde al movimiento. Recuerda que la respuesta del mismo está relacionada con la tensión del resorte, la distancia del beater y la tensión del parche. C) Si utilizas la técnica del talón apoyado, utiliza el movimiento de tus pantorrillas y tobillos. Ubica tu pie en las 3/4 partes del pedal, siendo donde la plantilla del pedal comienza un ensancharse, siendo un punto de referencia, dado que es todo donde se encuentra el pívot, que es donde mejor se equilibra la mecánica del pedal con la ergonomía de la ejecución. D) Coloca tu pie derecho en el suelo. Sin despegar tu talón, levanta a parte de adelante de tu pie del suelo. Busca desarrollar los músculos interiores y flexibilizar tus tendones, a fin de naturalizar el movimiento. E) Cuando tus talones toquen el suelo, apoya la parte delantera de tus pies hacia abajo hasta piso esta también toque el suelo. Busca concientizarte de la naturalidad de cada movimiento descendente. Continua apoyando el pie hasta que el talón evite el contacto con el piso. F) Ubica la parte delantera de tu pie del suelo y cuando la punta de tu pie toque el suelo, genera un movimiento directo y acelerado, hasta que todo tu pie toque el suelo y toda la base de los pies estén sobre el piso. Técnicamente, lo que estás haciendo es alternar tu pie de punta a talón y levantarlo cuando alguna de éstas partes toca el suelo. G) Otra alternativa es ubicar tu talón arriba (Heel up). Para ello, deja que tu pie toque la parte trasera del pedal primero. Cuando tu talón toca el pedal, apoya la punta de tu pie hacia abajo mientras el pedal vuelve a su posición de origen. H) Realiza un movimiento con el talón levantado. Asi, lograrás tocar el pedal con la punta de tus pies. I) Desliza tu talón hacia delante para así obtener un segundo golpe. Ésta técnica se denomina Heel Toe Federico Landaburu 155.158.5710

4/22/2024, 6:33:01 PM

Vininie con cara: " Esto ya lo sé...". Weckl con la expresión de: "¿Puede repetir, Profe?" Bissonette, pareciendo no entender un carajo y con ganas de irse. Gadd, aplicado y resolviendo. Louis Bellson, siempre atento y respetuoso... Y Chambers, con ganas de rajarse, como los viernes a la última hora del colegio.... Aula Percusiva... Tiempo para practicar y tiempo para jugar: Uno de los errores más grandes que puede cometer un baterista es no dedicar tiempo a la práctica, con un enfoque distinto al tiempo de tocar. Lo creas o no, aquí hay una gran diferencia. El tiempo de práctica es una oportunidad para trabajar en el control de los golpes, la dinamica y orquestaciones en nuestra batería, pulir habilidades y otras dessrrollar algunas técnicas que buscamos mejorar o aprender. El tiempo de tocar es una oportunidad para aplicar las habilidades recién aprendidas a situaciones reales e interactuando con otros musicos. Debemos lograr balancear ambas situaciones y estadíos mentales. Por lo tanto, mi primer consejo es programar un tiempo en la semana para practicar y un momento para tocar. De ésta manera podremos sentarnos y concentrarnos en desarrollar nuestra independencia, velocidad y control de nuestros pies y manos sin distraernos; para luego una vez asimilados los movimientos y desarrollada la memoria muscular, aplicarlo en favor de la música. Federico Landaburu 155.158.5710

4/22/2024, 6:32:14 PM

American grip: Es un híbrido de grips alemán y francés, con las palmas en ángulo ni paralelo ni perpendicular al parche, esta es la posición de agarre predeterminada para la mayoría de los bateristas principiantes, o para aquellos que simplemente eligen una posición de ejecución más ergonómica que las técnicas mas avanzadas. Federico Landaburu

4/21/2024, 7:54:58 PM

El French Grip: Las baquetas se colocan entre el dedo pulgar y el índice, los dedos pulgares van en dirección hacia el techo. Los dedos medio, anular y meñique no presionan la baqueta pero ayudan a dar equilibrio y a tener un mejor control de los rolls. Este grip se lo utiliza para tocar timpani en la percusión clásica. Al rotar las manos en relación al German grip, los antebrazos quedan paralelos entre sí, razón por la cual en ángulo del codo se cierra para poder abrir el ángulo de la manos, quedando ubicadas a 90º. El movimiento no es tan libre desde la muñeca, razón por la cual se origina mayormente en el codo, manteniendo la muñeca inmóvil. Federico Landaburu

4/21/2024, 7:53:32 PM

Traditional grip:  La mano izquierda la baqueta reposa entre el espacio interdigital del dedo pulgar e índice.  La primera falange del dedo índice se coloca sobre la baqueta mientras que el dedo pulgar reposa sobre el índice, el dedo medio se extiende sobre la baqueta quedando casi en línea recta pero tiene que estar muy relajado. Los dedos anular y meñique se curvan bajo la baqueta siendo un lugar de apoyo y descanso para la misma. El grip tradicional surge en las Bandas Militares, en las cuales el ejecutante del tambor, debía aplicar esta técnica, dado que el tambor se ubicaba al costado de su cuerpo, sostenido por un cinturón de sujeción, y para poder mantener el hombro y codo alineados, generaron esta técnica. Hay UNA VARIANTE ESPECIFICA para el grip tradicional, la cual es utilizada por Steve Gadd, y la cual explica en su video clínica Up CLOSE, la cual denomina el grip BOBBY THOMPSON, en referencia a quien se la enseño. Según la configuración de Thompson, el primer dedo apunta hacia adelante, recto , como señalando el Norte de una brújula, descansando a un lado del palillo , (cumpliendo hacia función de fulcro y de guía), mientras que el segundo dedo realiza tareas de fulcro y empieza a ejercer influencia, seguido por los dos últimos dedos . Federico Landaburu

4/21/2024, 7:52:51 PM

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4/21/2024, 7:45:06 AM

El Bebop: Fue la consecuencia cronológica del Swing, a inicios de los años 40. Se dejaba de lado lo bailable y dócil del Swing, para indagar en sonidos mucho más potentes, bases más improvisadas y rupturistas. Dió inicio a grandes estilos como el jazz tipo funk, hard bop, etc., los cuales enfatizan la sección rítmica y su aporte mucho más africano o de raíz negra en la ejecución musical. En cuanto a la técnica y ejecución, se dejó la costumbre de la marcación del bombo en su clásico "Feathering" (plumeteo), que buscaba un elemento melódico complementario aunque no era un basamento rítmico, dado que la conducción de establecia entre el patrón de swing en ride y el back beat en el 2 y 4, marcado en hihat foot. Se comenzó a establecer una tendencia a un sonido más experimental y vanguardista, aunque también mucho más profunda y cuativante. Se caracterizó por ejecutantes por demás virtuosos, pero como hubo años de huelga de músicos hacia 1942/1943, no todo lo prolífico de la época había podido ser grabado, ni hoy documentado. Sobre el cambio del feathering, se caracteriza por ser un movimiento de tobillo en la técnica de heel Down, dado que esto permite mayor control y menor profundidad del sonido, dado que es poca distancia de recorrido (al generarse en un sistema muscular chico), por ende, no se obtiene aceleración suficiente, y luego del impacto, y al regresar la plantilla del pedal a su posición inicial, eso permite que se vuelva a estirar la cadena, lo cual retira el beater del mazo, dejando un sonido si bien definido, aunque en dinámicas bajas. Al exigirse un mayor énfasis en sonido mucho más presente y con mayor sustain, se empezó a utilizar el kick, donde se involucra un movimiento mayor, que nace desde la pierna (psoas iliaco), y que permite un mayor volumen, aunque menor control. Al ser un sistema muscular mayor, la incidencia de la masa de la pierna provoca que el mazo quede apoyado al parche, lo cuál acorta el sustain, aunque maximiza el ataque y la potencia... La era del bebop se caracteriza por ritmos fluidos, patrones de ride que sirven como base subyacente y un sonido que se describe mejor como suave. Federico Landaburu 155.155.158.5710

4/21/2024, 5:55:59 AM

*Consejo # 1: Repite el patrón sin urgencia, aprende sin esfuerzo: Mantente relajado y paciente, y disfruta el proceso de repeticion. Descubre nuevos enfoques a medida que aprecias diferentes maneras de experimentarlo, diferentes aspectos de la misma frase. Absorberás más rápidamente cuando estés tranquilo y relajado, simplemente disfrutando el proceso de tocar algo nuevo realmente lento un montón de veces. *Consejo # 2 : No subestimes la práctica a varios volúmenes y tempos: Cuando tengas suficiente control, experimenta con diferentes tempos y variaciones de volumen para que la frase suene y se sienta bien. ¿Qué pasaría si pudieras tocar un ritmo increíble y quisieras usarlo en el escenario para una canció? Si aprendes un patrón sin pulirlo, es inútil para nosotros en el escenario. En otras palabras, todo lo que practiques debe ser pulido y llevado a la vida a varios tempos y volúmenes. * Consejo # 3: ¿Cuánta memoria muscular necesitas?: La memoria muscular no es un interruptor que se enciende y lo tienes. Es más un rango, desde 'no sé cómo' hasta 'podría hacerlo mientras miro television". Cuantas más experiencia y tiempo hayas acumulado con el patrón, más comodidad y naturalidad obtendrás dentro de ese rango. Cuanto más ensayes, más control obtendrás. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito

4/21/2024, 5:48:46 AM

La historia de la batería está profundamente entrelazada con la historia del jazz, ya que evolucionó a través de las exploraciones de los primeros bateristas de jazz que se remontaban a los percusionistas en Nueva Orleans. Estos supuestos "inventores de la batería" hicieron baterías que les dieron la capacidad de crear sonidos que les vinieron a la mente, y que podían igualar lo que los otros músicos estaban tocando. La batería de jazz comenzó con la aplicación en los rudimentos militares. A medida que pasaba el tiempo, los bateristas de jazz modificaron sus ritmos de estilo militar para mezclarse con formas particulares de música. El primer recurso técnico empleado por los bateristas de jazz fue el roll. Los bateristas de jazz intercalaban rolls con ritmos alternos para crear una secuencia de ritmos conocida como el "patrón de ride". Federico Landaburu

4/21/2024, 5:46:01 AM

Primero el control, luego velocidad : Al aprender un patrón, la mayoría de las personas tiene un fuerte impulso constante para aumentar a una velocidad constante, que es cómo sonará el patrón cuando se aprenda. Desafortunadamente, no solemos comprender que eso requiere desarrollar memoria muscular, integrar las dinámicas, comprender los espacios de la frase, etc. Si subimos la velocidad sin haber comprendido la musicalidad de la frase (que no es lo mismo que comprender la notación de la misma), esto nos impide obtener el control que necesitamos para ejecutar el patrón a una velocidad constante hasta poder internalizarlo, y desde alli, progresivamente y sin perder em control, aumentar su tempo. Federico Landaburu www.youtube.com/landa81

4/21/2024, 5:45:02 AM

Articulación del Flam Paradiddle

4/20/2024, 4:03:55 PM

La posición de sentado requiere alinear tres puntos de generación de movimiento, los cuales conforman los sistemas cinéticos. En la posición de Talón apoyado (Heel Down), la pierna reposa sobre el pedal, y el punto de generación del movimiento es el tobillo. Esto nos dá un golpe controlado, por un recorrido corto del mazo, lo cuál se traduce en un bajo rango dinámico (corta distancia a la zona de ataque implica poca aceleración). Está técnica tiene como máximo exponente al llamado "Feathering" utilizado en el jazz. En la técnica de Talón levantado (Heel up), el movimiento nace desde el músculo flexor de la pierna (Psóas ilíaco), y al caer la pierna por su propio peso, el golpe tiene mucho ataque y volúmen, aunque es un mas difícil controlarlo. Cabe recordar que lo recomendable es que, una vez producido el impacto, debemos reposar el talón, dado que así descansamos la pierna y evitamos que el mazo quede apoyado sobre el parche, logrando un mejor sustain y definición en el ataque. En ambas técnicas, es fundamental que tengamos una posición donde la alineación de los sistemas citados, permita que los huesos de la pantorilla (tibia y peroné), queden paralelos al mazo del pedal. La planta del pie nunca debe despegarse del pedal, dado que actua como el fulcro en el grip de manos, aunque se denomina específicamente PIVOT. En ésta forma, tendremos mas facilidad en que podamos sentir que el mayor contacto entre el pie y la planchuela del pedal, estará en la zona del metatarso. En caso de que la pierna NO se encuentre alineada, debemos evitar que el pie quede cruzado perpendicularmente, dado que ademas de una posición nociva y tensionante, no tendremos la relajación ni el control adecuado para un golpe estable, continuo y definido. Federico Landaburu 155.158.5710 www.youtube.com/landa81

4/19/2024, 5:33:05 PM

Hips dont lie... La cadera debe quedar apoyada sobre los isquiones y paralela al la línea de bombo. La rotación de la parte superior, solo se hace desde la columna lumbar, para la caída natural de los brazos y que estos conserven su rango óptimo de movimiento y eficiencia. Federico Landaburu 155.158.5710

4/19/2024, 5:25:52 PM

. Tiempos difíciles: En el momento del estudio y de la práctica, suelen aflorar diferentes sensaciones y emociones, la cuales afectan de modo directo y reciproco al modo de concebir la expresión en nuestro instrumento, como a la ejecución de mismo. En un momento dado en el camino hacia tu objetivo, puedes encontrar una retroalimentación negativa, por diferentes motivos, como suelen ser no poder avanzar en determinados tópicos de estudio, no poder desarrollar una jornada de estudio que sea adecuada y que nos permita capitalizar el tiempo destinado a cada sesión. Aquí aparece un momento crítico, cuyo resultado es una frustración. Tu cerebro comienza a poner excusas para no hacer las cosas que tienes que hacer sobre una base regular para salir de la rutina. Lo que se necesita es una buena dosis de motivación, del mismo tipo que tuviste cuando empezaste primero como un juego o como algo netamente lúdico. Federico Landaburu 155.158.5710

4/19/2024, 5:11:01 AM

Rompiendo con tus excusas: # 1 No tengo tiempo para practicar. Ya sea trabajando, en la Facultad, estudiando para tus exámenes o simplemente haciendo malabarismos con otras prioridades del día a día; todos vivimos vidas ocupadas, y encontrar tiempo de práctica a menudo puede ser difícil. La buena noticia es que hay oportunidades de progresar mucho en nuestro instrumento si somos capaces de encontrar solo de 5 a 10 minutos por día. Seguramente oirás historias sobre alguien más que practica horas al día, pero el simple hecho es que pueden tener diferentes prioridades y su estilo de vida les permite hacerlo. La mayoría de nosotros no tenemos ese lujo, y está bastante bien. La diferencia no la obtenemos diciendo que haríamos ti tuviésemos lo que aún no tenemos, sino haciendo lo mejor que podamos con los recursos disponibles. Hagamos lo mejor que se pueda cada día, y las semillas darán frutos luego se su natural maduración y crecimiento. Recomiendo llevar un diario de práctica para que puedas ver tu progreso y mantengas tu concentración y enfoque para maximizar tu valioso tiempo de práctica y asi, alcanzar objetivos y metas específicas y disfrutar en dicho proceso. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito

4/19/2024, 5:09:24 AM

El cinquillo cubano: Una de las células rítmicas que con más fuerza influyó en la música cubana fue el llamado cinquillo, un figurado que proviene de África y que llegó a Cuba también junto a los «franceses» de Haití. Esta célula, que seguramente se encontraba en los barracones de esclavos en Cuba desde mucho antes, no tuvo real influencia en la música profesional hasta entrado el siglo XIX, cuando las contradanzas venidas de Haití comenzaron a difundirse primero en la región oriental y luego por toda la isla. Es una fórmula melódico-rítmica que ha pasado a la historia de la música con la denominación arbitraria de cinquillo cubano (corchea-semicorchea-corchea-semicorchea-corchea, en compás de 2 por 4), la cual se empleaba de manera bicompasada, o sea, en compases alternos. Originalmente el cinquillo apareció en la línea melódica que era entonada por la voz y abarcó un tiempo fuerte (thesis) y uno débil o de reposo (arsis); mientras, la guitarra rasgueaba un acompañamiento monorrítmico surgido, por lo general, de elementos de raíz africana. Si bien "cinquillo cubano", fue la nueva forma de nombrar a una célula rítmica singular, aunque, debido a su carácter intercultural e internacional y teniendo en cuenta cómo y dónde se desarrolló y se difundió internacionalmente, podría ser nombrada de manera más justa: cinquillo criollo; cinquillo caribeño, cinquillo afro-cubano-haitiano, etc., por lo que, para evitar cualquier conflicto entre estas denominaciones, se empleará la palabra cinquillo (en cursiva) para diferenciarlo del cinquillo académico. Rítmicamente, surge del baile danzón, cuyo eje vertebral es la figura de la Habanera, derivado del llamado "Tresillo cubano". Dicho tresillo, siendo que no es un tresillo concebido como figura irregular, que implican tres notas en lugar y espacio de dos de igual valor (irregular por disminución); se conforma por tres tiempos:1)tiempo tónico (acento natural), bombo (segundo tiempo) y ponche (tercer tiempo). Si del tresillo cubano, doblamos los tiempos 2 y 3 (bombo y ponche), obtenemos el cinquillo. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito Clases de Bateria en Caballito 011 5158-5710

4/18/2024, 3:53:41 AM

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4/17/2024, 8:43:26 PM

*Los Niveles de la música: 1) Comprensión: En ésta etapa, es imprescindible la capacidad de desglose y decodificación de los elementos de notación musical. Aquí se involucran los recursos para poder escribir y leer. Dicha capacidad requiere un trabajo netamente cerebral y lógico, con un enfoque consciente, conceptual y racional. Responde al QUE TOCAR 2) Mecanización y ejecución: Si bien éste aspecto, tiene un alto contenido racional, se involucran otras vertientes, relacionadas a una comunicación fluida, clara y precisa entre el mensaje decodificado en el cerebro, y como éste se ejecuta en las distintas voces del instrumento. Poder decodificar no significa que debe "hacerse bien" desde el primer acto, sino que debe dejar un precedente de evolución, es cuál es fortalecido con la repetición para el desarrollo de la memoria muscular. En éste momento, no debemos asustarnos ni frustrarnos porque "no me sale" o "me sale muy rígido", porque es la fundacional parte de éste estadío. Aqui, apuntamos al PODER TOCARLO. 3) INTERPRETACIÓN: Aquí, ya seguros de QUE debemos tocar, y fortalecido el PODER TOCARLO, nos debemos focalizar en la forma de hacerlo. Se define un COMO. Está definición conlleva un embellecimiento, el cual tiene parámetros y cánones normativos (métricas, tipo de compás, altura dinámica, velocidad, etc.), su aplicación es personal, individual y propia. Es un punto de quiebre, dado que es aqui donde deja de ser un mero ejercicio para convertirse en música. Deja de ser algo abstracto como la simbología, y aunque sigue siendo intangible, se vuelve perceptible, y esto lo dota automáticamente de capacidad de juicio, en lindo o feo, bueno o malo, etc. 4) CONTEXTO y CRITERIO: El contexto se define por la situación musical donde se sucede; lo cual establece reglas, parámetros, consideraciones y elementos de referencia que ayudan al músico a elegir a algún recurso por sobre otro, o priorizar distintos elementos encima de otros tantos. Aquí es donde la experiencia madura y evoluciona. Dicha evolución resulta en el CRITERIO. El criterio establece el PARA QUE. Federico Landaburu 155.158.5710

4/17/2024, 6:48:36 AM

Cómo estudiar el Stick Control: Cada ejercicio debe practicarse en una variedad de ritmos. Las razones para dominar un sticking u otro ejercicio a un ritmo cada vez más rápido son obvias; lo que a menudo es menos obvio (especialmente para los primeros pasos en el método) es lo difícil que es tocar de forma limpia, fluida y precisa a baja velocidad. En otras palabras, ¡NO dejes de practicar lentamente solo porque sentimos que nos destrozando la paciencia! . Además, hay una serie de ejercicios que utilizan tresillos y combinaciones (y más tarde, otros grupos), y es imperativo que se use un metrónomo para garantizar el aprendizaje de una ejecución precisa de estas variantes. Por supuesto, la recomendación de Stone de que cada uno sea practicado de modo "abierto a cerrado", o en otras palabras, comenzar un ejercicio lenta y gradualmente aumentando la velocidad al máximo y luego nuevamente, lo cual debe hacerse sin el metrónomo, y es extremadamente valioso hacerlo con seguridad y confianza, lo cual no es rápido. Del mismo modo, cada ejercicio debe practicarse en una amplia variedad de dinámicas, y por razones similares: es mucho más difícil para la mayoría de los principiantes tocar muy bajo, y un baterista debería ejecutar con rangos dinámicos bajos, lo cual será obligatorio en algún momento. Incluso para los musicos más experimentados, ejecutar en PIANISSIMO los ejercicios más complejos, o incluso los más simples a tempos lentos y luego, incrementar la velocidad, será un desafío. Federico Landaburu 155.158.5710

4/17/2024, 6:41:41 AM

Tocar a tiempo, con un tempo uniforme, constante, te permitirá tocar con otra estabilidad y confianza. De hecho, es un requisito previo para tocar con otroos músicos. Este reloj interno, que todos los bateristas deben desarrollar, te permitirá trabajar y ganar seguridad en lo que haces. Si no podes tocar a tiempo, todo está perdido. No puedes funcionar como un baterista sin esta habilidad. Un baterista con un sentido del tiempo débil es como un cocinero sin paladar; simplemente no funcionará. Si eres un baterista experimentado, esto puede parecerte obvio. Pero para los principiantes, la cantidad de conocimiento y habilidades para aprender puede ser abrumadora. Hay tanta habilidad física para adquirir en las primeras etapas que la noción de tiempo necesita ser específicamente señalada como fundamental. A veces sorprende a los principiantes que, habiendo desarrollado cierto nivel de independencia, lectura y habilidades técnicas, encuentran que tienen problemas para juntar todo y tocar a tiempo. Tu sentido del tiempo es una habilidad, como cualquier otra. No necesitas nacer con un reloj mágico interior que guíe tu destreza en la batería. Así no es cómo funciona. La forma de desarrollar ese reloj metronómico interno es trabajar en ello. Y aqui, la regla de ORO: Es bastante simple, en realidad... Practica con un metrónomo. Cada habilidad fundamental en la que trabajan los principiantes ( técnica, lectura o independencia), se puede practicar usando un metrónomo. Inicialmente, cada una de estas habilidades deberá trabajarse independientemente del metrónomo. Comprender los ritmos que estás aprendiendo a leer, los movimientos o tips de una técnica específica, o la coordinación de un ritmo o de un patrón, tomará algún tiempo para funcionar. Tendrás que trabajar en estas cosas independientemente de un pulso de tiempo constante para resolver la mecánica, captar el significado de la notación o desarrollar algo de memoria muscular en un groove, fraseo o fill. Pero una vez que comprendas éstas cosas y puedas tocarlas, deberás usar un metrónomo para practicar. Federico Landaburu www.facebook.com/coachingritmico

4/17/2024, 6:39:23 AM

La música no es deporte para COMPETIR... La música es un regalo para COMPARTIR....

4/16/2024, 6:06:03 AM

Decálogo: 1) La verdadera superación no se representa comparandote con otros, sino perfeccionandote vos mismo. 2) La velocidad es una consecuencia de estudiar lento, pausado y relacionando las ideas. 3) El sonido de tu instrumento, siempre refleja tu acción como ejecutante. 4) El mérito no es tocar mucho, sino saber que, cuando, donde y como tocarlo. 5) La técnica no te hace mejor, aunque si permite mejorar lo que haces. 6) La independencia sin coordinación, es como manejar sin frenos. 7) La zona de confort de un músico, debe ser su propia expresion. 8) La sinceridad de tu instrumento es tan grande, que devolverá lo que vos entregues. 9) Si no amas lo que haces, es muy difícil poder mejorar. 10) Compartir lo que aprendes, es devolver lo que te regala tu instrumento. Federico Landaburu 155.158.5710

4/16/2024, 5:58:04 AM

El trabajo duro es la clave para la evolución musical, mientras que la inspiración proporciona el combustible para el esfuerzo. La inspiración no es un reemplazo para la práctica disciplinada. Es el elemento que hace que esa práctica sea efectiva y satisfactoria. Si nuestros objetivos son elevados, nuestros esfuerzos deben coincidir con ellos, o nuestros objetivos deben cambiar. *El talento innato: El don que poseen nuestros ídolos es realmente más una cuestión de disposición que atributos físicos. Los dotados son los pocos afortunados que han encontrado algo que les apasiona. Tan apasionados, de hecho, que se ven obligados a investigar si alguien más está interesado o no. Su temperamento les permite pasar innumerables horas y años refinando su oficio practicando las cosas que no pueden hacer simplemente porque ese proceso es lo que les gusta más en la vida. Ese es el talento. *Perseverancia y humildad: La humildad nos libera del miedo. El respeto propio nos permite ser humildes. Respetar a los demás. Valorar nuestra singularidad. Nadie puede ser uno mismos tan bien como uno mismo. Nunca puedes ser otra persona. Siempre se un estudiante, nunca un maestro, entonces no tienes nada que perder. Con este enfoque, somos libre de concentrarnos en disfrutar de la música sin distracciones. 1) Cuanto más lento vayas, más rápido llegarás allí. Tómate tu tiempo, no practiques demasiado rápido. Alcanza un flujo lento en lugar de explosiones cortas e imprecisas. 2) Escuchar, contar, respirar. Recuerda el proceso. Tus oídos y tu voz ayudarán a tus manos a saber qué tocar con libertad. 3) Si lees ejercicios, llévalos a tus oídos lo antes posible. Intenta escucharlos, cantarlos o contarlos e internalizarlos. 4) Convierte cada ejercicio en música, hacelo tuyo. Incluso un simple ejercicio puede tener vida. 5) Relájate y respira. Toma descansos de 15 minutos cada 40 de trabajo. 6) Cambiar o rotar material de práctica con frecuencia. Es como abrir las ventanas para airear un espacio. 7) Cuando hayas decidido qué practicar, ten fe y mantente firme. La mayoría del material parecerá aburrido hasta que lo incorporas. Federico Landaburu 155.158.5710

4/14/2024, 8:33:04 PM

Algunos verán baquetas, mate, pad y algunos rudimentos... Para mí, es la foto de mis compañeros de cada día, en los últimos 25 años....

4/14/2024, 8:31:35 PM

★ ¿ Que beneficios tiene estudiar batería ? ¤ Efectos cerebrales : *Permite focalizar la concentración y estimula la atención periférica. *Al desarrollar la heterometría , facilita la comunicación entre los hemisferios cerebrales. *Favorece la reproducción neuronal y su sinapsis. *Estimula la producción *Agiliza la resolución de matematicás simples. ¤ Efectos físicos : *Regulariza la actividad cardiovascular. *Aporta sensación de bienestar, al liberar endorfinas sobre el sistema límbico. *Normaliza la frecuencia cardíaca. *Afecta la sinergia de los sistemas cognitivos. ¤ Efectos emocionales: *Desarrolla la perseverancia en trabajos a medio y largo plazo. *Fortalece la autoconfianza, proyecta la superación personal y la posterior interacción entre pares. * Nos conecta al pulso vital, inherente a todo ser humano. ====================== "Aprender batería es darte una nueva energia para tu cuerpo y tu mente." .Clases de Batería, tambor clásico, desarrollo rudimental, lenguaje rítmico, escobillas y solkattu (Presenciales y remotas) Federico Landaburu // 155-158-5710 www.instagram.com/ritmologia_bateriaencaballito [email protected]

4/14/2024, 8:25:15 PM

Tantos días, tardes, noches.... Años, meses, semanas.... Hoy, éste pequeño mensaje es para darte gracias a vos, mi amado instrumento... Por ser incondicional, constante, presente, superador y honesto.... Por estar siempre ahí, de y a mi lado; sin juzgar, sin preguntar nada, solo permitiéndome ser, hacer y dar... Aprendí mucho más de vos, que con vos... Aprendí más de la vida, que de música... Recibí muchísimo más de lo que dí... Siempre digo, no me siento músico; no soy fanático de la música ni soy un empedernido melómano... Soy un devoto del instrumento, de la rítmica; su estudio, aplicación e infinita sabiduría. Gracias por ayudarme a ser un poquito mejor cada día desde mi adolescencia, hasta el día de hoy.... Pasaron infinidades de personas, situaciones, momentos, recuerdos y vivencias... Gracias por no pasar y quedarte Siempre... Bendecido el haberte cruzado... No me cambiaste la vida, sino que me das razones para seguir buscando crecer y evolucionar a través de lo compartido... GRACIAS GRACIAS GRACIAS

4/13/2024, 1:22:32 AM

Escuela rudimental francesa: Los rudimentos franceses fueron influenciados por los suizos y luego contribuyeron a la cultura específica de Basilea en un intercambio de dos vías. "La Orchesographie", de Thoinot Arbeau de 1588 se cita comúnmente como uno de los primeros textos rudimentales, aunque su uso real de la notación es limitado. Los percusionistas profesionales franceses se convirtieron en parte de la guardia de honor del rey en los siglos XVII y XVIII. Su profesionalización se mejoró durante el reinado de Napoleón I. La danza francesa conocida como Le Rigodon es una de las piedras angulares de la batería rudimentaria moderna. Al menos 5 manuales militares franceses aparecieron entre 1870 y 1900, comenzando con la École du Tambour de Félix Carnaud de 1870 y el Methode de Tambour de N. Pita de 1885, seguidos de cerca y ampliados por H. Broutin (1889), Théophile Dureau (1895), y E. Reveillé (1897). El Méthode de Tambour et Caisse Claire d'Orchestre [13] de Robert Tourte fue publicado en 1946 y combinó una selección de 34 rudimentos y las clásicas llamadas militares francesas con estudios de extractos orquestales comunes como El sistema francés es complejo y expansivo, rivalizado en alcance solo por los sistemas suizo, estadounidense y escocés. Normalmente se han enseñado entre 30 y 34 rudimentos a partir de mediados del siglo XX. .Rudimentos franceses (Primeros desarrollos): R: Mano derecha; L: mano izquierda; -: Silencio (un tiempo de descanso) Todos estos ejercicios deben ejecutarse en el ciclo "ad libitum" (sin definir un pulso fijo para el número de repeticiones) y comenzar en el primer tiempo de un compás. 1: Roll de un solo golpe ("Frisé") o "single stroke" ("Coup simple" en francés, anteriormente llamado "bâton rond" ("varita redonda", remitiendo al batir sobre el parche) o "tapatapa" (en francés). Denominado Single Stroke Roll (RLRL, ETC.) 2: Rolls de un solo golpe con descanso (ornamentación por golpes simples): a: single stroke 3 ("3 coup rond", comúnmente llamado "tagada" en francés) RLR . b: lo mismo con inversión de manos: RLR - LRL -; c: single stroke 4 (con tresillos) RLRL - -; d: La inversión del sticking. Federico Landaburu

4/12/2024, 9:34:38 PM

*¿Podrías tocar mas bajo?: A lo largo de mis años de aprendizaje, no puedo contar la cantidad de veces que me han hecho esta pregunta. Ya sea que se trate de un oyente o un compañero de la banda, esta es una tarea que los bateristas tendremos que realizar una y otra vez. Solía ​​ponerme muy a la defensiva cuando esto se me preguntaba a mí mismo. Yo pensaría, toco la batería y golpeo cosas. ¿Cómo puedes hacer eso en silencio?, ¿O cómo puedo entregar la energía de la música a un volumen bajo?... No me malinterpreten, todavía puedo tener mi respaldo, dependiendo de la fuente, pero me he dado cuenta de la belleza de la baja dinámica en este instrumento y el poder que aporta a la música. En algunos de los contextos que vivimos, el bajo volumen es absolutamente necesario. Estos contextos incluyen pequeños escenarios, bodas, eventos sociales, así como otros momentos específicos, donde la musica y su interpretación requieren sonidos y recursos mas minimalistas e íntimos. Con el fin de atender el contexto, tomaremos todas las precauciones, pero a veces podríamos necesitar profundizar en nuestra ejecución y control instrumental para encontrar una solución. Algunos de mis pensamientos sobre estas situaciones de "bajo volumen", y cómo, al tener una mente abierta, podemos sacar el máximo provecho de nuestro instrumento y aprender valiosas lecciones a lo largo del camino. *Hablando dinámicamente: Lo primero que debemos tener en nuestro sonido es el control, y la única manera de desarrollar esto es a través de la dinámica. Les hago hincapié a mis alumnos en que cualquiera puede tocar en una ejecución alta, ya que esta es una forma primordial de tocar la batería, pero tocar en rangos ínfimos requiere un mayor control de nuestros músculos y emociones. Mis alumnos siempre reciben una buena dosis de lentitud y tranquilidad en nuestros ejercicios, rudimentos y otras áreas de percusión. Siempre debemos sentir que tenemos el control de lo que estamos haciendo en la batería, y practicar a bajo volumen es una gran manera de desarrollar esto. Federico Landaburu 155.158.5710

4/12/2024, 9:24:52 PM

El Flam se encuentra entre los 3 rudimentos básicos, los dos restantes son el golpe simple y el golpe doble. Se lo conoce como apoyatura, apoggiatura o mordente de una nota. Este recurso desempeña el papel de generar una nota de sonido más larga y de mayor dinámica en comparación con el golpe simple. La nota principal es la más alta y por ende, de volúmen mayor, y la nota de gracia es la que tiene el sonido más bajo y suave, debido a su menor recorrido. Si bien es cierto que se tocan a diferentes alturas, el movimiento es SIMULTÁNEO Y CONTINUO, solo que una mano impacta antes que la otra, por la diferencia de alturas de las posiciones de inicio. Dicha diferencia de altura, es lo que genera la contradinámica, propia del rudimento. Y es ésta técnica la que produce el sonido más largo y más grueso que viene con el flam. Para lograr un sonido excelente, el secreto radica en colocar el palillo bajo, para el tap, cada vez que se está preparando para ejecutar una nota de gracia. Otro consejo es evitar tocar ambas manos al unísono, lo cual surge por pensar cada mano como un movimiento independiente. Es un mismo movimiento que genera dos sonidos. Debes concentrarte en la calidad y la consistencia (flams hand to hand; o apoyaturas mano a mano) cuando practiques éste rudimento. Las notas de gracia son las notas más pequeñas y generalmente están conectadas a la nota principal a través de lo que se conoce como un tap stroke. Tocar la nota principal con la mano derecha, implica que lo antecede una nota de gracia de mano izquierda. Lo inverso aplica al cambio de perfil lider. Cabe aclarar que la nota de gracia es aquella que no tiene valor rítmico de subdivisión. Para que puedas ejecutar rudimentos más avanzados, necesitarás aprender el patrón fundamental conocido como flam básico. El movimiento básico de flam consta de dos notas ejecutadas como una. La nota real CASI siempre es un acento (Downstroke), precedida por un Tapstroke (nota de gracia). La excepción es el Flamacue, donde el la primer figura, la que lleva el flam, es seguida del acento del ornamento. Federico Landaburu 155.158.5710

4/12/2024, 9:22:18 PM

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4/12/2024, 6:32:49 AM

Tanto videito y hojita en vano, no sería... Hasta que Anika Nilles me dio un like....

4/11/2024, 5:13:22 PM

*Cómo nos sentamos: Un baterista encorvado o con mala postura está en un constante riesgo de lesionarse. Sentarte demasiado bajo en tu banqueta te obliga a llegar más alto para golpear los platillos y perdes tiempo, espacio y energía para llegar allí. El asiento debe estar a un nivel que permita que tus muslos estén ligeramente más altos para crear un ángulo de casi 90 grados con tu pierna. Los pies deben estar alineados para que las rodillas no estén muy extendidas hacia adelante sobre los tobillos. Esto es común para los bateristas que comenzaron a tocar sin darle énfasis a la técnica. Suelen ejecutar sin darse cuenta por mucho tiempo que tocan con el cuerpo encorvado, lo cual ademas del perjuicio fisico y postural, genera una actitud de ze encerrarse en la posicion, lo que lleva a un "encapsulamiento" del sonido, al volverse "hacia adentro " de la batería, lo cual nos lleva a un mal hábito, una nociva postura y a un improductivo sonido. La espalda debe ser el eje del cuerpo y éste debe estar sostenido en la columna vertebral, como al caminar. La altura de la banqueta debe ser coincidente a la altura del tambor, el cual debe permitir una natural caída de los brazos, la cual no debe ser por debajo de la línea de la cintura. Se debe tratar de lograr una angulación aproxm a los 90° entre muslos y espalda, entre pierna y pantorrilla y entre hombro, codo y muñeca. Federico Landaburu www.instagram.com/ritmologia_fedexdrums

4/11/2024, 4:34:32 PM

" El ego puede matar tu talento." " Cuando hablo de seguridad ,hablo de confianza en uno mismo. No me refiero a ser arrogante." " Cuando afrontas una nueva situacion musical, debes confiar en ti mismo. Eso no significa ser arrogante ni soberbio, todo lo opuesto... Es tener la confianza en tus cualidades, en tus recusos y en el criterio con que lo aplicas. En definitiva...ser honesto con vos mismo..." Vinnie Colaiuta

4/11/2024, 4:25:58 PM